Esta semana vamos a dedicar todo el programa a algunos discos que nos han interesado. Comenzamos con Oscar Barras, con un extracto de su último trabajo hasta la fecha titulado composiciones electrónicas 2026. Compuesto por Barras al sintetizador y voz. Oscar Barras es un músico español residente en Madrid que ha estado involucrado en grupos como Sagrados Corazones, Plonk Moist, Au, Paseos Nocturnos, Reserva Espiritual de Occidente, Ahno Drei y Ülpeskriva. Más información en https://oscarbarras.bandcamp.com/ [1] Continuamos en el sello Fortín Sonoro con Pedro Linde, procedente de Jaén. Como artista plástico, cuenta con 8 exposiciones individuales y 18 colectivas en salas de diferentes puntos de España e Italia. Dirige entre 2008/2010 el grupo de improvisación colectiva Granádadá. Ha estrenado obras en diferentes Conservatorios, festivales y eventos de música contemporánea en España, diferentes países europeos, EEUU, Japón y México y es miembro de la  amee, asociación con la que colabora activamente, participando con diversos proyectos sonoros y multimedia. Seguimos en Fortín sonoro con José Gallardo Arvelaez, músico colombiano de larga trayectoria que combina una formación clásica con el gusto por los sonidos más experimentales, incluyendo fuentes electrónicas, grabaciones de campo entre otras cosas. Muchas veces mezclándolos con instrumentos convencionales. Fortín sonoro es un netlabel dirigido por Sarah Vacher, sobradamente conocida por su labor editorial con sellos como Luscinia Discos o Ruidemos. Continuamos con un clásico: Alva Noto y uno de sus últimos trabajos - Wave Weave – Sono Obi, banda sonora original compuesta para una película de Carsten Nicolai. El proyecto surgió de una colaboración con un fabricante de tejidos para kimonos de duodécima generación en Kioto, Japón. En esencia, la obra explora la traducción del sonido a la forma textil: los sonogramas de composiciones musicales sirven de base para estructuras tejidas, conectando patrones de frecuencias acústicas con técnicas tradicionales de tejido. Cambiamos de tercio para escuchar a  Boards of Canada. Tras trece años de silencio por parte del grupo, durante los cuales la expectación ha ido creciendo día a día, Boards of Canada por fin regresan. «Inferno» conserva sus melodías y atmósferas características, inspirándose en las influencias esotéricas exploradas en «Societas X Tape» (su mezcla de 2019 para NTS con motivo del 30.º aniversario de Warp Records) y en el ambiente más oscuro introducido en «Tomorrow’s Harvest», que se ve aún más acentuado por un mayor protagonismo de los fragmentos de voz. Seguimos con  Deadbeat & Paul St Hilaire.  Ahora que el dub techno ha vuelto con fuerza a los clubs de todo el mundo, Deadbeat reedita por fin la que quizá sea su mejor trabajo en colaboración con Paul St Hilaire, también conocido como Tikiman. Una auténtica lección magistral del género, tal y como sugiere el nombre, el álbum muestra a la perfección a dos titanes del estilo en su mejor momento y, diez años después, sigue siendo un clásico indiscutible. Remasterizado por su viejo amigo Stefan Betke, alias Pole, en Scape Mastering —quien lo grabó en vinilo por primera vez hace tantos años—, esta edición conmemorativa del primer aniversario es una muestra imprescindible del trabajo de estos dos maestros. Vamos a finalizar el programa de esta semana con Monolake, Por primera vez en formato vinilo, el álbum seminal de Monolake de 1999 -Interstate- es un entramado caleidoscópico de microrritmos y un trabajo textural exquisitamente dinámico, Robert Henke y Gerhard Behles colaboraron plenamente por última vez en este disco, creando así un hito de la música electrónica. La evolución de Monolake desde sus primeros trabajos, teñidos de dub-techno, les llevó a profundizar aún más en la exploración de Max/MSP. El dúo logró una mayor complejidad en el comportamiento de su paleta sonora para alcanzar una cualidad orgánica que sigue ejerciendo una influencia duradera en la música electrónica actual. Interstate es un disco que construye ocho ecosistemas sonoros diferentes y entreteje sutilmente elegantes grooves. Tras «Interstate», Behles se marchó para centrarse por completo en el desarrollo de Ableton Live y Henke llevó a Monolake hacia un sonido más austero.  Cada disco de Monolake tiene su propio contexto y sonido únicos, y las circunstancias de *Interstate* nunca podrían repetirse. Al plasmar los grandes avances que se estaban logrando en la producción musical digital a finales del milenio, es un documento repleto de información sobre un momento en el tiempo que, 27 años después, sigue sonando sorprendente. Y con Monolake nos despedimos. En las locuciones estuvo Elena Daza y en la selección musical y edición César Pradíes. [1] https://oscarbarras.bandcamp.com/

Esta semana dedicamos todo el programa a algunos discos recientemente publicados por la distribuidora holandesa Toon Dist. Comenzamos con Masual y su disco Spinors. el trío berlinés MASUAL presenta un conjunto cautivador de composiciones de voz, ruido electroacústico e improvisación libre. Combinando con maestría voz, guitarra y contrabajo con una intrincada electrónica en vivo, crean un paisaje sonoro que es a la vez bello e impredecible. la formación está formada por Alex Nowitz: voz, electrónica en vivo controlada por gestos (estrofión), Sukandar Kartadinata: guitarra eléctrica, electrónica y Matthias Bauer al contrabajo. Continuamos con una colaboración entre Guus Janssen – piano,  Bert van Erk – contrabajo y Wim Janssen – batería El CD «Live at the Pletterij» es el resultado de años de búsqueda a través de la música de compositores como Ellington, Monk y Horace Silver, Mengelberg y los propios miembros del trío. Al desentrañar la música y reconstruirla de una manera peculiar, se transita desde el swing más primigenio hasta la improvisación llena de ritmo. Continuamos con otra colaboración formada por Birgit Ulher & Jaap Blonk.  El disco se titula Breezers y lo publica el sello kontrans de jaap blonk. Este álbum son ejercicios de diálogo y descubrimiento, con una atención casi palpable que crea un circuito entre los intérpretes, permitiendo a cada uno canalizar su singular y refinada musicalidad. Birgit Ulher toca trompeta, radio, altavocesy objetos y Jaap Blonk electrónica y voz. Jaap blonk también colaboró recientemente con Ricardo Arias, Un encuentro divertido entre dos improvisadores experimentados. El formato de dúo permite que cada uno dé rienda suelta al máximo el potencial de su respectivo instrumento. Ricardo Arias toca kit de globos de bajo, trozos de globos y respiración. Jaap Blonk a la voz y respiración. Seguimos con Laurens de Boer & Albert van Veenendaal con su disco Interlocking. En un intrincado diálogo entre el piano preparado y la exploración sonora, surge una música que explora los límites entre la improvisación y la composición, entre la estructura y la libertad. El piano preparado de Laurens y el singular lenguaje compositivo de Albert crean un fascinante universo sonoro, rico en colores, ritmos y giros inesperados. El resultado es un álbum intenso, cinematográfico y audaz. A veces, la música suena a gamelán, a veces a jazz, pero no es ninguna de las dos. Laurens de Boer toca el piano (preparado) y Albert van Veenendaal como compositor. Cuando Albert van Veenendaal (piano preparado) invitó a Mieke van Dam (theremin) a unirse a él para una sesión de improvisación en un concierto en Orgelpark, Ámsterdam, decidieron grabar sus ensayos. El material resultante fue tan interesante que no pudieron mantenerlo en secreto. De entre las horas de música, seleccionaron cuidadosamente sus piezas favoritas para crear este brillante álbum. En él se escucha a dos músicos aventureros que entienden que tocar es, en esencia, tocar. Audaces, intrépidos, intuitivos, pero con un sentido innato de la forma y la tensión, cada composición instantánea de A Pinch of Sea Salt es una joya narrativa. Rising Call presenta grabaciones en directo de la Orquesta NL-SWITCH, incluyendo algunas de las últimas interpretaciones del clarinetista Theo Jörgensmann (1948-2025). El álbum revela la amplia gama expresiva del conjunto, desde la espaciosa e introspectiva Rising Call hasta la espiritual, psicodélica y narrativa Light into the Dark Suite y la enérgica y divertida Fun with the Happy Healing Rollercoaster. La formación está formada por Bert den Hoed – piano y teclados nord; Theo Jörgensmann – clarinete; Jonathan Ho – contrabajo; Albrecht Maurer – violín, voz; Marcos Baggiani – batería; Peter Jacquemyn – contrabajo; Johannes Fink – violonchelo eléctrico; Andrew Moreno – guitarra eléctrica y Eric Gregory Smith a la batería. Y con Nl-switch nos despedimos. En las locuciones estuvo Elena Daza y en la edición y selección musical César Pradíes.

Continuamos nuestro repaso a algunas bandas sonoras de películas de terror con Psicosis. Psicosis (en inglés [1]: Psycho) es una película estadounidense de suspense [2] y terror [3] de 1960, producida y dirigida por Alfred Hitchcock [4]. El guion, escrito por Joseph Stefano, se basa en la novela homónima [5] de Robert Bloch [6] publicada en 1959. La película está protagonizada por Anthony Perkins [7], Janet Leigh [8], Vera Miles [9], John Gavin [10] y Martin Balsam [11]. La trama se centra en el encuentro entre la malversadora fugitiva Marion Crane (Leigh) y Norman Bates [12] (Perkins), el tímido propietario de un solitario motel [13]. La banda sonora fue compuesta sólo con instrumentos de cuerda y compuesta por el genial Bernard Herrmann. Escuchamos un extracto Los pájaros (The Birds en inglés) es una película estadounidense [14] de 1963 [15] de suspense [16] y terror [17] dirigida por Alfred Hitchcock [18]. Se basa en una novela corta [19] homónima de 1952 escrita por Daphne du Maurier [20].  La película contó con la actuación de Tippi Hedren [21], Rod Taylor [22], Jessica Tandy [23], Suzanne Pleshette [24] y Veronica Cartwright [25]. Elena: Melanie, una joven rica y snob de la alta sociedad de San Francisco, conoce casualmente en una pajarería al abogado Mitch Brenner. Él, que conoce por la prensa la alocada vida de Melanie, la trata con indiferencia y se va de la tienda dejándola bastante irritada. Ella, que no está acostumbrada a que la traten así, encarga unos periquitos y se presenta en la casa de la madre de Mitch, en Bodega Bay. En cuanto llega, los pájaros, enloquecidos, empiezan a atacar salvajemente a los habitantes del lugar. La situación se agrava a medida que avanzan las horas. El apartado de los efectos de sonido es fundamental en esta obra. Su diseño contó con el asesoramiento del gran Bernard Herrmann, quien firmó algunas de las partituras más memorables de la filmografía hitchcockiana. El filme carece de música como tal, pero bajo la supervisión del genial compositor neoyorquino los graznidos de los pájaros, acompasados y recreados electrónicamente, se convierten en la música de la película, llenando de tensión y terror cada una de las escenas de los ataques. Este recurso resulta de lo más acertado y efectivo, pues ¿qué música podría igualar el pavor causado por el sonido que emana, directamente y de forma natural, del origen de la amenaza? La música fue compuesta por Remi Gassmann y Oskar Sala, que consistía en componer el sonido de las diferentes aves que aparecen en el film. Escuchamos un extracto del film. Tiburón  es una película estadounidense [26] de terror [27], suspense [28] y aventuras [29] de 1975, dirigida por Steven Spielberg [30] y basada en la novela homónima [31] de Peter Benchley [32]. En la historia, un enorme tiburón blanco [33] devorador de hombres [34] ataca a los bañistas en las playas de Amity Island, lo cual lleva al jefe de la policía local a emprender la caza del escualo junto a un biólogo marino [35] y un marinero profesional. El actor Roy Scheider [36] interpreta al jefe de policía Martin Brody, Richard Dreyfuss [37] al oceanógrafo Matt Hooper, Robert Shaw [38] al marinero Quint, Murray Hamilton [39] al alcalde de Amity Island y Lorraine Gary [40] a Ellen, esposa de Brody. El guion [41] está acreditado tanto al propio Benchley, que elaboró los borradores iniciales, como al actor y guionista Carl Gottlieb [42], que lo reescribió durante el rodaje. La mayor parte de la película se filmó en la isla de Martha's Vineyard [43] (Massachusetts [44]). Fue un rodaje accidentado que sobrepasó el presupuesto inicial y el calendario previsto. Hubo problemas con la réplica mecánica del tiburón y el director Spielberg se vio obligado en muchas de las escenas a sugerir la presencia del escualo en lugar de mostrarlo, apoyado para ello en un tema musical minimalista e inquietante creado por el compositor John Williams [45] que indica las inminentes apariciones del depredador. Muchos, incluso el propio director de la película, han comparado este enfoque sugestivo con el de los clásicos filmes de suspense del director Alfred Hitchcock [46]. Universal Pictures [47] estrenó la película en una cantidad de salas de cine excepcionalmente alta para la época, más de 450 en Norteamérica, y la acompañó de una enorme y efectiva campaña publicitaria con un gran énfasis en anuncios de televisión y mercancía asociada. Considerada una de las mejores películas de la historia del cine, Tiburón es el prototipo de «taquillazo [48]» cinematográfico veraniego[3] [49] y su estreno se recuerda como un verdadero hito del séptimo arte. Fue la producción con mayor recaudación [50] hasta el estreno de Star Wars [51] en 1977. Recibió numerosos premios a su banda sonora y montaje, y junto a Star Wars, Tiburón fue el punto de partida del sistema de negocio del Hollywood [52] moderno, que gira en torno a películas de acción o aventura basadas en premisas sencillas, que se estrenan en verano rodeadas de grandes campañas publicitarias y en muchas salas de cine para intentar asegurar su éxito entre el público.  A Tiburón siguieron tres secuelas, ninguna con participación de Spielberg o Benchley, y numerosos filmes que la imitaban. En 2001, la película fue seleccionada por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos [53] para ser preservada en el Registro Nacional de Cine [54] por ser «cultural, histórica o estéticamente significativa The Changeling (titulada Al final de la escalera en Argentina [55] y España [56], El intermediario del Diablo en México [57]) es una película canadiense del año 1980 dirigida por Peter Medak [58]. La película trata sobre un hombre que acaba de perder a su familia de manera trágica y trata de superarlo marchándose a vivir a una casa apacible y solitaria. Sin embargo, al poco de tiempo de instalarse empiezan a suceder cosas extrañas... Hasta que un día descubre una habitación secreta ubicada al final de la escalera. La banda sonora fué compuesta por Rick Wilkins, en la que el compositor aplica una música en apariencia desordenada con el propósito de generar una sensación de caos, de imprevisión, pero en la que va insertando progresivamente melodías más concretas que ponen rostro al misterio al que se enfrenta al protagonista, quien a su vez es acompañado por melodías de tono frágil y dramático, dolorido. Las voces otorgan poder a las músicas amenazantes y todo lleva a una contundente conclusión, donde la musica se explicita en forma de un poderoso tema principal Suspiria (titulada como Alarido en algunos países de Hispanoamérica [59]) es una película italiana [60] de terror [61] sobrenatural [62] de 1977 dirigida por Dario Argento [63], coescrita por Argento y Daria Nicolodi [64], parcialmente basada en el ensayo de Thomas De Quincey [65] de 1845 Suspiria de Profundis [66] (Suspiros desde las profundidades) y coproducida por Claudio [67] y Salvatore Argento. La película, protagonizada por Jessica Harper [68], se enfoca en una estudiante de ballet estadounidense que se transfiere a una prestigiosa academia de danza en Alemania, pero se da cuenta, después de una serie de brutales asesinatos, que la academia sirve de tapadera a una conspiración sobrenatural. Su reparto se complementa con Stefania Casini [69], Flavio Bucci [70], Miguel Bosé [71], Alida Valli [72], Udo Kier [73] y Joan Bennett [74], en su último papel en el cine. La película es la primera de la trilogía que Argento denomina Las tres madres [75], que también comprende Inferno [76] (1980) y La terza madre [77] (2007). Suspiria se ha convertido en uno de los largometrajes más exitosos de Argento, recibiendo elogios de la crítica por su estilo visual y estilístico, el uso de colores vibrantes y la música de la banda de rock progresivo Goblin [78]. Re-Animator es una película de terror [79] de 1985 dirigida por Stuart Gordon [80] y basada en el relato de H. P. Lovecraft [81] "Herbert West: reanimador [82]". Protagonizada por Jeffrey Combs [83] como Herbert West, un estudiante de medicina transferido de Europa [84] a la Facultad de Medicina [85] de la Universidad de Miskatonic [86] para continuar desarrollando su suero de reanimación corporal. Las pruebas que realiza no son las que él esperaba y traen consigo una serie de fatídicas consecuencias para él y la vida personal de su compañero de cuarto, Dan Cain. La película se volvió de culto [87], entre fanes del cine gore [88] combinando el terror [89] con la comedia [90]. La música fué compuesta por Richard Band [91], en la que introduce las notas del famosísimo tema principal de la inmortal partitura que Bernard Herrmann [92] había compuesto para Psicosis (Psycho, 1960). Visualmente, la secuencia de los títulos de crédito, a los que se aplica la música de Band, también son cómplices de la cita evocadora del film de Alfred Hitchcock. Muchos espectadores desprevenidos y algunos críticos poco sensibles a los guiños cinéfilos, cuestionaron esta conexión auditiva, sin comprender el homenaje que Band estaba rindiendo al gran músico neoyorquino, al que además veneraba como uno de los compositores cinematográficos más influyentes de su carrera y de la música de cine. Session 9 es una película de terror psicológico estadounidense [93] de 2001 dirigida por Brad Anderson [94] y protagonizada por David Caruso [95], Peter Mullan [96], Stephen Gevedon [97], Paul Guilfoyle [98], Josh Lucas [99] y Brendan Sexton III [100]. El argumento se centra en un grupo de profesionales desmontadores de asbesto [101] que son contratados para la retirada de este material en una institución mental abandonada y gira en torno a una paciente con un oscuro pasado registrado mediante sesiones de hipnoterapia [102] grabadas. Climax Golden Twins compuso la banda sonora de esta película. Banda sonora de género con uso de la electrónica para recrear un ambiente tóxico, claustrofóbico y hostil. Se incorporan instrumentos como el piano y la guitarra para insertar referencias dramáticas, aunque no llegan a formar nada reconocible melódicamente. The Ring (titulada: La señal en España [103], El aro en la mayoría de Hispanoamérica [104] y La llamada en Argentina [105]) es una película estadounidense de terror psicológico [106] sobrenatural [107], estrenada en 2002, dirigida por Gore Verbinski [108] a partir de un guion de Ehren Kruger [109] y protagonizada por Naomi Watts [110], Martin Henderson [111], Brian Cox [112], David Dorfman [113] y Daveigh Chase [114]. Se trata de un remake occidentalizado [115] de la película de terror japonesa de 1998, Ringu [116], de Hideo Nakata [117], que a su vez, se basó en la novela del mismo nombre [118] de Kōji Suzuki [119] (que también ayudó a coescribir las dos versiones de la película). La trama de la película se centra en Rachel Keller, una periodista que debe encontrar una manera de escapar de la muerte después de ver una cinta maldita que aparentemente mata al espectador siete días después de verla. La banda sonora está compuesta por Kenji Kawai, con música que busca, además de recrear un ambiente aterrador y amenazante, generar una atmósfera de desconcierto e imprevisión, con un tono cambiante, a ratos siniestro y en otros desolador. Hellraiser es una película de terror [120] británica [121] estrenada en 1987, escrita y dirigida por Clive Barker [122], y basada en su propia novela titulada The Hellbound Heart [123]. Se la considera tanto una película de culto [124] como un clásico del género. La película explora temas como el sadomasoquismo [125], la relación entre el dolor y el placer, y la moralidad de personajes sometidos al temor y la tentación. Es la primera entrega de una saga [126] que llega hasta el año 2022 y presenta al personaje Pinhead [127], el cual rápidamente se convirtió en un icono [128] del cine de terror [129] la banda sonora está compuesta por Christopher Young, Singular creación en la que el compositor, lejos de enfatizar lo siniestro y el terror (que también está en su consideración musical, y en modo de un tema apocalíptico, apabullante), primó un cariz nostálgico, casi romántico y muy evocador, que aplicó en la figura del tenebroso protagonista para "humanizarlo" en su progresiva autoconstrucción. Recreó un tono de creciente desesperación y aflicción, muy adecuado. Cementerio de animales» (título original en inglés: «Pet Sematary») es una novela de terror [130] publicada en 1983 del escritor [131] estadounidense [132] Stephen King [133]. En México la editorial Edivisión la tituló inicialmente como Semeterio de mascotas, respetando la falta ortográfica en el título, la cual se explica dentro de la novela. Fue nominada para los "World Fantasy Award for Best Novel" (Premio a la Mejor Novela) en 1984, [134] y llevada al cine en 1989 con el título de Pet Sematary [135] bajo la dirección de Mary Lambert [136]. y en 2019 con Cementerio maldito [137], protagonizada por Jason Clarke [138], Amy Seimetz y John Lithgow [139]. La novela está inspirada, según comentarios del propio autor, en el cuento La pata de mono [140], del escritor británico W. W. Jacobs [141]. Escuchamos una excentricidad incluida en la banda sonora, el tema 'Pet Sematary' de Los Ramones. Mártires es una película de terror [142] escrita y dirigida por Pascal Laugier [143]. Fue proyectada por primera vez durante el Festival de Cine de Cannes en 2008. La película fue estrenada en Francia [144] el 3 de septiembre de 2008. En Francia, a comienzos de 1970, Lucie, una niña desaparecida un año antes, es vista mientras camina por una carretera. Se encuentra en estado catatónico y es incapaz de contar nada de lo que le ha sucedido la banda sonora de esta tremenda película fue compuesta por Alex Cortés y [145] Willie Cortés [146] los cuales son compositores, arreglistas y programadores musicales para cine, televisión y videojuegos. Fueron miembros de la banda Seppuku Paradigm y son conocidos por la banda sonora original [147]de esta película Holocausto caníbal es una controvertida película de terror [148] y coproducción italiana [149] de 1980 dirigida por Ruggero Deodato [150] y basada en el guion de Gianfranco Clerici. Fue filmada en la selva amazónica colombiana [151] y muestra la historia de un grupo de jóvenes que viaja hacia ese lugar para realizar un documental. Tras varios días sin recibir noticias de ellos, un antropólogo [152] es enviado con el objetivo de encontrarlos. La película está protagonizada por Carl Gabriel Yorke [153], Francesca Ciardi [154], Perry Pirkanen [155], Luca Barbareschi [156] y Robert Kerman [157]. Es una película de gran controversia debido a sus imágenes de gore [158] y violencia [159], llegando a ser prohibida en numerosos países, incluyendo Italia [160], Australia [161] y el Reino Unido [162]. A pesar de su violencia, la película es vista por algunos como una crítica social [163] sobre la cruel naturaleza de los humanos La banda sonora fue compuesta por Riz Ortolani, el cual fué un compositor [164] italiano [165] de música de cine. Ortolani nació en Pesaro [166], una ciudad con un profundo legado musical que también vio nacer a Gioachino Rossini [167]. Desde pequeño mostró una fascinación casi instintiva por los sonidos, lo que lo llevó a estudiar música en el Conservatorio Gioachino Rossini. Su formación fue rigurosa y clásica, centrándose especialmente en la composición, el piano y el contrabajo, instrumento que dominaría con soltura y que usaría para integrarse en distintas orquestas durante sus primeros años. Y con parte de la banda sonora de Holocausto Canibal nos despedimos. Nos hemos dejado en el tintero muchas bandas sonoras pero no tuvimos tiempo para más. En las locuciones estuvo Amparo Grolimund y Elena Daza . En la selección musical y edición de sonido César Pradíes.  [1] https://es.wikipedia.org/wiki/Idioma_ingl%C3%A9s [2] https://es.wikipedia.org/wiki/Suspenso [3] https://es.wikipedia.org/wiki/Cine_de_terror [4] https://es.wikipedia.org/wiki/Alfred_Hitchcock [5] https://es.wikipedia.org/wiki/Psycho_(novela) [6] https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Bloch [7] https://es.wikipedia.org/wiki/Anthony_Perkins [8] https://es.wikipedia.org/wiki/Janet_Leigh [9] https://es.wikipedia.org/wiki/Vera_Miles [10] https://es.wikipedia.org/wiki/John_Gavin [11] https://es.wikipedia.org/wiki/Martin_Balsam [12] https://es.wikipedia.org/wiki/Norman_Bates [13] https://es.wikipedia.org/wiki/Motel [14] https://es.wikipedia.org/wiki/Categor%C3%ADa:Cine_de_Estados_Unidos [15] https://es.wikipedia.org/wiki/Categor%C3%ADa:Cine_en_1963 [16] https://es.wikipedia.org/wiki/Suspense [17] https://es.wikipedia.org/wiki/Cine_de_terror [18] https://es.wikipedia.org/wiki/Alfred_Hitchcock [19] 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