La trayectoria de The Doors (1965–1971) es el reflejo exacto del ascenso y colapso del sueño contracultural de los años 60. Pasaron de ser poetas de club a íconos de estadio, terminando en el caos personal y legal. Morrison y Manzarek se encuentran en Venice Beach. Se foguean como banda residente en el Whisky a Go Go, donde son despedidos por la naturaleza de la canción "The End". Lanzan The Doors ,  Strange Days  y  "Light My Fire" los hace estrellas. Representan el lado oscuro y psicodélico del "Verano del Amor", alejándose del optimismo de San Francisco. Con Waiting for the Sun, alcanzan su único número 1 en álbumes. Morrison empieza a transmutar de "Rey Lagarto" a un poeta errático y con problemas de alcohól. Durante un concierto, Morrison es acusado de exhibicionismo. Esto genera una lista negra de la banda en radios y estadios, marcando el inicio del fin. Lanzan Morrison Hotel, un álbum de blues rock crudo que intenta limpiar su imagen y volver a la esencia. Graban L.A. Woman y  Jim Morrison se muda a París para buscar una vida de escritor, donde muere el 3 de julio de 1971 a los 27 años. The Doors vivieron en un mundo que cambiaba de piel violentamente: Guerra de Vietnam y el Draft, El Movimiento por los Derechos Civiles, Contracultura contra el estado y  la Represión policial.     Danger Zone es el quinto álbum de estudio del vocalista de rock americano Sammy Hagar, lanzado en junio de 1980 por Capitol Records. Es un trabajo significativo en su carrera en solitario, justo antes de su salto al éxito masivo con Geffen Records y su posterior etapa en Van Halen. Producido por Sammy Hagar y Geoff Workman. Tom Scholz (de la banda Boston) también colaboró en la preproducción y grabaciones de batería. El álbum destaca por incluir a miembros de la banda Journey: Steve Perry en los coros y Neal Schon en solos de guitarra en temas específicos. Sammy Hagar ha anunciado su gira "Best of All Worlds Tour" para 2026, una celebración de su carrera con especial énfasis en su etapa con Van Halen. La banda que lo acompaña es de primer nivel, incluyendo a Michael Anthony, Joe Satriani, Kenny Aronoff y Greg Phillinganes.     Time to Die es el nombre del EP y el sencillo principal de la artista de hard rock melódico Gabrielle de Val, publicado a principios de 2026. El tema principal rinde homenaje a la película clásica de ciencia ficción BLADE RUNNER de Ridley Scott. El estribillo de la canción repite palabra por palabra el famoso monólogo final de Rutger Hauer (Roy Batty) en el filme. Esta canción sirve como primer sencillo y adelanto de su próximo álbum de estudio titulado "Revolution". Además de la canción homónima, el EP incluye tres temas inéditos más: La canción fue mezclada y masterizada por el reconocido guitarrista y productor Tommy Denander. El álbum "Revolution" de Gabrielle de Val está previsto para lanzarse en 2026 a través del sello Pride & Joy Music. Este trabajo surge tras un periodo de intensa creatividad junto a su colaborador habitual Bruce Mee, con quien escribió la mayoría de las canciones. Originalmente, el proyecto de su segundo disco iba a llamarse "Cry Wolf", pero debido retrasos en la producción, Gabrielle comenzó a trabajar en nuevas composiciones que dieron lugar a este álbum. Aunque mantiene su base de Hard Rock melódico y AOR, algunas pistas compuestas junto a Tommy Denander exploran sonidos más pesados, incluyendo elementos de Symphonic Rock y Power Metal. El prestigioso músico Tommy Denander ha asumido el rol de productor y músico principal en el desarrollo del álbum. Mick Devine (Seven): Participa en el tema "Hold On", una balada que en su versión original es más sedante y hermosa.Gary Pihl (Boston): Colaboró en los arreglos de guitarra para versiones de temas como "Hold On".Robin McAuley (McAuley Schenker Group): Aunque es conocido por colaborar en su debut, sigue siendo una figura vinculada a su entorno musical cercano.     El decimosegundo álbum de estudio de Black Label Society, titulado Engines of Demolition, fue lanzado el 27 de marzo de 2026 bajo el sello Spinefarm Records/MNRK Heavy. Este disco marca el primer larga duración de la banda desde Doom Crew Inc. (2021) y ha sido descrito como su trabajo más sólido en una década. Zakk Wylde comenzó a escribir el material en 2022 durante la gira mundial de celebración de Pantera. El proceso de composición y grabación se extendió hasta 2025, permitiendo que las canciones "maduraran" antes de su lanzamiento final. Como es habitual, el grueso del disco se grabó en el estudio personal de Wylde, conocido como The Black Vatican. Para lograr un tono más "gordo" y oscuro, se utilizaron amplificadores de estilo vintage y saturación de cinta analógica, buscando capturar la calidez clásica de la banda pero con una agresividad renovada. Zakk compuso los riffs durante periodos de descanso de un mes antes de que el resto de la banda (JD DeServio, Jeff Fabb y Dario Lorina) se uniera en el estudio para grabar las pistas finales en sesiones intensas de aproximadamente una semana. La canción de cierre, "Ozzy's Song", es una balada dedicada a Ozzy Osbourne. Wylde escribió la letra justo después de regresar del funeral de Ozzy, antes de un concierto en Jones Beach. Para el solo de "Ozzy's Song", Zakk utilizó su famosa guitarra Gibson Les Paul "The Grail" (con el gráfico de diana). Eligió esta guitarra específicamente porque fue con la que escribió su primera canción junto a Ozzy, cerrando así un círculo emocional. Antes de la salida del álbum, la banda lanzó varios sencillos como "Broken and Blind", "The Gallows", "Lord Humungus" y finalmente "Name in Blood" en enero de 2026.     Django Unchained (titulada Django desencadenado en España y Django sin cadenas en Hispanoamérica) es un aclamado western revisionista de 2012 escrito y dirigido por Quentin Tarantino. Ambientada en el Sur de Estados Unidos dos años antes de la Guerra Civil, la película narra la historia de Django, un esclavo cuya libertad es comprada por un cazarecompensas alemán, el Dr. King Schultz, para que lo ayude a identificar a unos criminales buscados. Tras ayudar a Schultz a completar su misión, Django se convierte en su socio y aprendiz. Juntos emprenden un peligroso viaje hacia "Candyland", la infame plantación del despiadado Calvin Candie, con el objetivo de rescatar a la esposa de Django, Broomhilda, quien sigue esclavizada allí.   El elenco cuenta con actuaciones de primer nivel, destacadas por la crítica. Jamie Foxx como Django Freeman. Christoph Waltz como el Dr. King Schultz. Leonardo DiCaprio como Calvin J. Candie. Kerry Washington como Broomhilda "Hildi" von Shaft. Samuel L. Jackson como Stephen, el fiel y manipulador sirviente de Candie. Durante una escena intensa, Leonardo DiCaprio se cortó accidentalmente la mano al romper una copa contra la mesa. Siguió actuando sin salir de su personaje y esa toma fue la que se incluyó en el montaje final. Franco Nero, el protagonista de la película Django de 1966 que inspiró a Tarantino, hace un cameo especial en el que conversa brevemente con Jamie Foxx. La banda sonora combina piezas clásicas de Ennio Morricone con temas contemporáneos de Rick Ross y John Legend.     ESCALETA SAV 12 MAYO 2026   Sintonizando We will rock you Rocker , instrumental   THE DOORS roadhouse blues Love me two times Soul kitchen   SAMY HAGAR  love or Money Bad reputación 20 th century man   GABRIELLE THE VAL  time to die The jing-saw man Shine   BLACK LABEL SOCIETY  name in blood Gatherer of souls The hand of tomorrows grave   BSO DJANGO UNCHAINED, TARANTINO   Lo chiamavano King, his name is King Unchained , the payback, untouchable To old to die young, brother edge

El productor discográfico o productor musical es el líder creativo y técnico de un proyecto de grabación. Controla el tiempo de estudio y entrena a los artistas, y en los géneros populares suele crear el sonido y la estructura de la canción.​ Los productores de discos, o simplemente productores, se comparan con las figuras de director de cine y director de arte. El productor ejecutivo, por otro lado, habilita el proyecto de grabación a través del emprendimiento, y un ingeniero de audio opera la tecnología. En los años cincuenta este papel fue interpretado por los directores A&R (artista y repertorio). Entre los más destacados estaba el músico y compositor Mitch Miller en Columbia Records. Hasta los años sesenta varios productores y directores A&R eran contratados por los grandes sellos discográficos, y varias grabaciones se hacían en estudios controlados y operados por los mismos, como los famosos estudios Abbey Road en Londres, controlados por EMI.     Robert John «Mutt» Lange es considerado uno de los productores más exitosos de la historia, responsable de moldear el sonido del rock y el pop moderno. Aunque ha trabajado en diversos géneros, su catálogo de rock y hard rock incluye aproximadamente 20 a 25 álbumes clave entre las décadas de 1970 y 2010. Sus trabajos más icónicos fueron… AC/DC: Highway to Hell, Back in Black (el segundo álbum más vendido de la historia) y For Those About to Rock. Def Leppard: High 'n' Dry, Pyromania e Hysteria. Foreigner: 4. The Cars: Heartbeat City. Muse: Drones (ganador del Grammy al Mejor Álbum de Rock). Era un productor intervencionista y perfeccionista en extremo. No se limitaba a grabar a la banda; actuaba como un miembro adicional, involucrándose en: Co-escribía gran parte del material para asegurar que cada canción tuviera ganchos comerciales ("hooks") irresistibles. Buscaba un sonido "más grande que la vida", utilizando técnicas innovadoras de grabación multipista para crear capas densas y pulidas.Tenía la habilidad de tomar bandas de rock crudo y "limpiar" su sonido para que fueran aptas para la radio sin perder su potencia. Su método de trabajo era agotador y meticuloso, lo que a menudo llevaba a las bandas al límite: Exigía cientos de tomas para una sola frase vocal o un solo de guitarra hasta que la ejecución fuera matemáticamente perfecta. Creaba los famosos "coros de estadio" grabando docenas de pistas de voces apiladas (a veces usando sus propios susurros para añadir aire y textura). Podía pasar años en un solo álbum (como los tres años de Hysteria). Incluso llegó a proponer a músicos expertos como Angus Young en sus solos o a Bon Scott en su técnica de respiración.El "Método Mutt Lange": Para lograr acordes perfectos, a veces grababa cada nota de un acorde por separado en pistas distintas para afinarlas individualmente antes de combinarlas. Las técnicas de Robert "Mutt" Lange son legendarias por su obsesión con la perfección y la creación de muros de sonido imposibles de replicar en vivo sin tecnología. La Técnica de Coros de "Muro de Sonido" En discos como Hysteria de Def Leppard, Lange revolucionó el uso de las armonías vocales: Apilamiento Masivo (Stacking): En lugar de grabar a tres personas cantando juntas, Lange grababa a cada miembro de la banda por separado. Podía llegar a grabar cientos de pistas de voz para un solo coro. Capas de "Susurros": Para dar ese brillo aéreo característico de los 80, añadía pistas de voces susurradas sobre las notas sostenidas, lo que aportaba una textura sedosa y "cara" al sonido. El Truco del Dolby: Utilizaba unidades de reducción de ruido Dolby (como el Dolby A) de forma "incorrecta" para comprimir y realzar las frecuencias altas de las voces, logrando que los coros cortaran la mezcla con una claridad cristalina. Panning Extremo: Paneaba las capas de armonías totalmente a la izquierda y derecha, dejando un hueco en el centro exclusivamente para la voz principal. Producción Detallada: El Caso de Hysteria Este álbum es el ejemplo máximo de su metodología extrema: Micro-edición Manual: Antes de que existiera el software moderno, Lange y su ingeniero Mike Shipley automatizaban la ecualización (EQ) de cada sílaba o palabra individualmente en la consola para asegurar que cada sonido fuera perfecto. Guitarras Nota por Nota: En canciones complejas, llegó a grabar cada nota de un acorde en una pista distinta para asegurarse de que estuvieran perfectamente afinadas y sincronizadas antes de mezclarlas. Bajos y Batería: Para el disco de Muse (Drones), se dice que Lange automatizaba el volumen entre cada nota de bajo para eliminar el ruido de los dedos contra las cuerdas. En Hysteria, la batería fue casi totalmente programada en un computador Fairlight CMI porque el baterista Rick Allen acababa de perder un brazo y Lange buscaba un sonido rítmico robótico y perfecto. Mutt Lange transformó a AC/DC de una banda de pub australiana con un sonido crudo y a veces desafinado, en una potencia mundial de estadios con un sonido quirúrgico y comercial. Aquí te detallo los cambios clave que implementó: Afinación y Precisión "Militar" Antes de Lange, discos como Let There Be Rock tenían una energía salvaje pero guitarras que a veces estaban ligeramente desafinadas entre sí. Lange impuso una disciplina obsesiva: Guitarras perfectas: Obligó a Angus y Malcolm Young a afinar meticulosamente y a tocar con una precisión rítmica absoluta. Menos distorsión, más "punch": Redujo la ganancia de los amplificadores. Al usar menos distorsión, el sonido se volvía más definido, permitiendo que cada nota del riff "golpeara" con más fuerza en la radio. Estructura de Canción y Estribillos "Himno" Lange rompió el hábito de la banda de hacer estructuras simples de "intro-verso-coro" para crear composiciones más complejas y pegajosas: Coros de Estadio: Introdujo los coros masivos donde Malcolm y Cliff avanzan para cantar armonías potentes y afinadas, algo que no era una característica central antes de Highway to Hell. Ganchos comerciales: Co-escribió y sugirió cambios en las melodías para que fueran más aptas para la radio FM de EE. UU., logrando su primer éxito millonario con Highway to Hell. Entrenamiento Vocal (Coaching) No solo grababa; Lange actuaba como un entrenador para los vocalistas: Bon Scott: Trabajó intensamente en su dicción para que fuera más comprensible para el mercado estadounidense y le enseñó técnicas de respiración para sostener notas más largas. Brian Johnson: Durante la grabación de Back in Black, lo presionó hasta el límite para capturar una entrega vocal que fuera poderosa pero melódica, ayudándole a encajar perfectamente tras la muerte de Scott. El "Muro de Sonido" en la Mezcla Uso del Espacio: En Back in Black, Lange utilizó micrófonos de ambiente para capturar el sonido de la sala, haciendo que la batería sonara gigantesca pero controlada. Capas Invisibles: Aunque suena a rock puro, Lange añadía sutiles capas de guitarras y efectos (como el uso del sistema inalámbrico Shaffer-Vega en el estudio para comprimir el tono de Angus) que daban una densidad única al sonido. Gracias a este "pulido" sin perder la agresividad, Back in Black se convirtió en el estándar de oro de cómo debe sonar un disco de hard rock, siendo usado hasta hoy por ingenieros para probar la acústica de estudios y estadios.     Tom Allom, apodado "The Colonel", es una figura legendaria en la historia del heavy metal, responsable de definir el sonido de bandas como Judas Priest y sentar las bases del género con Black Sabbath. A lo largo de su carrera, Tom Allom ha trabajado en más de una docena de proyectos solo con Judas Priest, incluyendo 7 álbumes de estudio clave. Su discografía total como productor e ingeniero incluye: Judas Priest: Produjo clásicos como British Steel (1980), Point of Entry (1981), Screaming for Vengeance (1982) y Defenders of the Faith (1984). Black Sabbath: Fue el ingeniero de sus primeros tres álbumes (Black Sabbath, Paranoid y Master of Reality) bajo la tutela de Rodger Bain. Trabajó con Def Leppard (ingeniero en On Through the Night), Krokus (Headhunter), The Strawbs y Pat Travers. Su metodología se alejaba del perfeccionismo clínico, priorizando la energía natural de la banda: Velocidad y Captura del "Momento": Era extremadamente eficiente; grabó British Steel en solo 28 días y el debut de Def Leppard en cuatro semanas. Prefería las tomas naturales sobre el exceso de sobre grabaciones (overdubs). Utilizaba objetos cotidianos para añadir texturas únicas. Por ejemplo, para el riff de "Breaking the Law" grabó el sonido de botellas de leche rompiéndose, y usó tacos de billar o hachas arrastradas por el suelo en otras sesiones para generar sonidos industriales y agresivos. Su mayor aporte fue pulir la agresividad del metal sin restarle potencia, creando un sonido nítido pero pesado que se convirtió en el estándar de la "New Wave of British Heavy Metal" (NWOBHM).     Keith Olsen el legendario productor de rock estadounidense, fue uno de los productores más influyentes en la historia del rock, produciendo más de 120 álbumes que suman ventas superiores a los 110 millones de copias. Keith Olsen era famoso por su capacidad para definir el "sonido de radio" que dominó los años 70 y 80. Se enfocaba en lograr mezclas nítidas y potentes, elevando la calidad sonora de los grupos hacia un estándar comercial de platino. Tenía buen ojo para el talento; fue él quien recomendó a Stevie Nicks y Lindsey Buckingham para unirse a Fleetwood Mac tras producir su disco Buckingham Nicks.Trabajaba tanto con rock clásico como con heavy metal y pop-rock, adaptando la energía de la banda a un formato accesible para el gran público. Bajo su producción se gestaron algunos de los discos más icónicos del género: Fleetwood Mac – Fleetwood Mac (1975): El álbum que lanzó a la banda al estrellato mundial. Whitesnake – 1987: Un pilar del hard rock con éxitos como "Here I Go Again". Pat Benatar – Crimes of Passion (1980): Incluye el clásico "Hit Me with Your Best Shot". Foreigner – Double Vision (1978): Consolidó el sonido AOR (Album-Oriented Rock). Ozzy Osbourne – No Rest for the Wicked (1988): Marcó el debut de Zakk Wylde. Scorpions – Crazy World (1990): Contiene la mítica balada "Wind of Change". Keith Olsen fue un pionero en la ingeniería de sonido, destacando por su precisión técnica y su capacidad para crear un sonido "radiofónico" que definía éxitos comerciales. Sus técnicas de grabación se centraban en TRES áreas claves: La técnica de las baterías (Ambiente y pegada) Olsen rompió con la tendencia de los años 70 de grabar baterías "secas" (micrófonos muy pegados y sin eco). Uso del espacio: Prefería aprovechar la acústica natural de la sala. Pasaba horas moviendo la batería por los estudios Sound City hasta encontrar el "punto dulce". Configuración de micrófonos: Utilizaba un par de Neumann U87 como micrófonos aéreos (overheads) en una configuración de pareja espaciada, lo que daba una imagen estéreo más amplia. El bombo: Combinaba un micrófono dinámico dentro del bombo para el ataque y un condensador a varios pies de distancia para capturar el "empuje" del aire. Grabación de guitarras: El método "Shavering" Para capturar la distorsión perfecta en álbumes de artistas como Ozzy Osbourne o Pat Benatar, Olsen utilizaba una técnica específica de colocación de micrófonos en los amplificadores. Consistía en buscar el punto exacto del altavoz donde la frecuencia era más alta (cerca de la bobina de voz) guiándose por el siseo (hiss) del equipo. Marcaba ese punto con una "X" y colocaba allí un Shure SM57 para obtener la máxima claridad y presencia. Producción vocal centralizada A diferencia de otros productores que trataban la voz como un instrumento más, Olsen la situaba como el eje central de la mezcla. Usaba preamplificadores Neve y compresores clásicos como el LA-2A o el 1176 para lograr interpretaciones con mucha carga emocional y una consistencia sonora impecable. Enfoque Híbrido (Analógico y Digital) Fue de los primeros en adoptar sistemas digitales sin abandonar el calor de lo analógico. A menudo grababa la base (batería y bajo) en cinta analógica para obtener esa compresión natural y luego transfería todo a digital para realizar las ediciones y grabaciones adicionales (overdubs). Keith Olsen transformó radicalmente el sonido de ambas bandas aplicando enfoques técnicos adaptados a sus respectivas épocas: la calidez acústica de los 70 y el pulido masivo de los 80. Fleetwood Mac (1975) – El sonido orgánico de Sound City En este álbum homónimo (también llamado The White Album), Olsen se centró en la transparencia y la dinámica natural de los instrumentos. Batería con "aire": En lugar del sonido seco y comprimido de la época, Olsen capturó la batería de Mick Fleetwood usando la acústica de la mítica sala del Sound City Studio. Utilizó micrófonos Neumann U87 en pareja espaciada para los overheads, logrando un sonido tridimensional y profundo. Claritud en la mezcla: El bajo de John McVie fue grabado con una definición inusual para 1975, sirviendo como una base sólida pero cristalina. Enfoque vocal: Olsen situó las voces de Stevie Nicks, Christine McVie y Lindsey Buckingham como el centro absoluto del paisaje sonoro, utilizando preamplificadores Neve para darles una presencia cálida y dominante. Whitesnake – 1987 (Self-Titled) – La cumbre del Hair Metal Para este disco, Olsen (junto a Mike Stone) buscó un sonido monumental y procesado, diseñado para estadios y la radio FM. Guitarras con técnica "Shavering": Aplicó su famosa técnica de microfoneo en los amplificadores de John Sykes. Buscaba el punto de mayor frecuencia (el hiss) cerca de la bobina del altavoz, marcaba una "X" y colocaba un Shure SM57 directamente ahí para obtener un ataque agresivo y definido. Producción vocal bajo presión: Debido a los problemas de David Coverdale tras una cirugía de senos nasales, Olsen tuvo que ser extremadamente meticuloso. Grabó clásicos como "Still of the Night" en solo dos tomas, capturando una energía cruda antes de pulirla con efectos de estudio. Hibridación Digital/Analógica: Aunque Coverdale prefería la calidez analógica, el álbum fue uno de los primeros en utilizar sintetizadores y técnicas digitales de forma prominente para lograr ese brillo característico de los 80. El reemplazo de solos: Ante retrasos y tensiones, Olsen no dudó en traer a músicos de sesión de élite como Dann Huff para regrabar partes (como el solo de la versión de radio de "Here I Go Again") en tiempo récord, priorizando el resultado final comercial.   ESCALETA MQUI PRODUCTORES 7 ENERO 2025 Vinilo - OZZY OSBOURNE  blooodbath in paradise FOREIGNER  hot blooded. AC / DC  if you want blood , you´ve go it DEF LEPPARD  photograph MUSE  physo BLACK SABBATH  iron man JUDAS PRIEST  exciter KROKUS  headhunter Y AND T  don´t stop runnin´ JOURNEY  dont´stop believin´ WHITESNAKE  crying in the rain FLEETWOOD MAC the chain PAT BENATAR  hit me wiyh your best shot BRYAN ADAMS  can´t stop this thing we started. OZZY OSBOURNE miracle man.

Live Sentence es un álbum en vivo de 1984 de la banda americana Alcatrazz , y el único álbum en vivo con la formación original de la banda. El concierto en vivo grabado para el álbum se realizó el 28 de enero de 1984 en Nakano Sun Plaza en Tokio. Después de Rainbow y de Michael Schenker Group, Graham Bonnet formó Alcatrazz, una banda injustamente subestimada, apodada "heavy metal para intelectuales" gracias a su habilidad como letrista, a menudo pasada por alto. Banda conociada principalmente por lanzar las carreras de Yngwie J. Malmsteen y Steve Vai, estos álbumes reeditados están repletos de canciones e interpretaciones que merecen un reconocimiento mucho mayor. La etapa de Yngwie J. Malmsteen fue breve pero productiva; el estilo del guitarrista claramente influenciado por Blackmore le dio una aportación importante al disco No Parole From Rock'N'Roll (1983), y el brutal set en vivo de Live Sentence (1984) lo deja claro con clásicos de Rainbow  como son las canciones pertenecientes al  álbum Down to Earth,  clásicas como since you been gone y al night long, tambien con el propio material de primera clase de Alcatrazz (Hiroshima Mon Amour, Island In The Sun) y una magistral interpretación de coming bach del compositor Johann Sebastian Bach.Un disco que no puedes dejar de escucharlo donde podras apreciar los comienzos de uno de los mejores guitarristas de la historia del rock. ADVENTUS, es un grupo de heavy metal liderado por el teclista y compositor Manuel Ramil, fundada en 2020 vuelve a escena después de lanzar su álbum en concierto “Directo Piorno Rock”, el pasado mes de abril, regresa con su nuevo disco DE MI CORAZON Y OTRAS MISERIAS. La banda anunciaba que el querido y carismático Ramón Lage seria el nuevo vocalista de la banda, una noticia que ha tuvo una grandísima acogida entre los seguidores de ADVENTUS y todas las personas amantes del Heavy Metal cantando en castellano. Pero, sin duda, la acogida fue mucho mayor cuando el público tuvo la oportunidad de escuchar y ver el videoclip del tema “De Mi Corazón Y Otras Miserias” es una canción muy personal y sincera donde el grupo se abre totalmente para contar una historia que cualquier seguidor/a de la banda seguramente ya conoce. Muestra de ello es la recreación verídica que la banda ha realizo en el videoclip de este tema, en el que participaron profesionales del ámbito de la Sanidad Pública. Con esta canción, ADVENTUS abre una nueva etapa en su trayectoria y enseña magistralmente que hasta de los momentos más difíciles y traumáticos en la vida de una persona pueden salir nuevas oportunidades para crecer, para crear grandes textos y música que llegue directamente al corazón. Una muestra real de que la música ayuda a sanar.     Def Leppard – “One Night Only Live at The Leadmill Sheffield”   El concierto se grabó el 19 de mayo de 2023 en The Leadmill, en su ciudad natal de Sheffield. El concierto fue un evento benéfico para recaudar fondos y mantener abierto The Leadmill. También resultó ser el mismo día en que se lanzó 'Drastic Symphonies'. ¡Y fue el día antes de que comenzaran su gira europea más grande hasta la fecha! Lo que hace que este set sea diferente de los otros álbumes en vivo es que realmente profundizan y  dan un montón de canciones que los fanáticos acérrimos quieren escuchar, así como los clásicos de Def Leppard. Han pasado más de cuarenta años desde que Def Leppard tocó su primer concierto en un estadio en el Ector County Coliseum de Odessa, Texas, el 29 de abril de 1983. Hace mucho tiempo, la gira fue la primera que la banda encabezó y se produjo solo tres meses después de que alcanzaran un éxito masivo con su tercer álbum de estudio, Pyromania . Tras convertirse en una de las bandas de rock and roll más grandes de los 80, sería relativamente difícil encontrar a Def Leppard tocando en algún club en las cuatro décadas transcurridas desde entonces. Sin embargo, el 19 de mayo de 2023, casi cuarenta años después de la fecha del concierto que marcó un hito en su carrera en Texas, se presentaron en The Leadmill en Sheffield, Inglaterra frente a los suyos. Una lista de trece canciones en total, una mezcla bastante diversa que te mantiene alerta y también te ofrece muchas sorpresas. Además, Joe Elliot , Phil Collen, Vivian Campbell , Rick Savage y Rick Allen suenan absolutamente fantásticos. La banda está, sinceramente, tan afinada como siempre.     The Thieving Magpie (La Gazza Ladra) es un álbum doble en directo de la banda británica Marillion . Su nombre proviene de la pieza de música clásica que la banda interpretaba antes de salir al escenario durante la gira Clutching at Straws de 1987-1988: la obertura de la ópera La gazza ladra de Rossini , que se traduce como "La urraca ladrona". El álbum se publicó poco después de la marcha del cantante Fish de la banda (y antes de la llegada de Steve Hogarth ) y pretendía documentar la etapa sin Fish. Complementa el primer álbum en directo de la banda, Real to Reel, ya que no hay temas que se solapen. The Thieving Magpie no es una grabación en directo continua, sino una recopilación de temas grabados en diferentes momentos y lugares, con pausas audibles entre ellos y distintas atmósferas en cada pista. Sin embargo, la edición en doble vinilo incluye la primera cara del álbum conceptual Misplaced Childhood (1985). La versión en CD y casete incluye el álbum completo, así como el tema " Freaks " – originalmente la cara B de " Lavender ", se utilizó como sencillo principal de The Thieving Magpie. El álbum fue producido por Christopher "Privet" Hedge, quien había sido el ingeniero de sonido de Marillion desde los inicios de su carrera.   [caption id="attachment_25407" align="aligncenter" width="300"] 1988 The Thieving Magpie (La Gazza Ladra) - Marillion (L.P Alemania EMI 164-79 1464 1)[/caption]   Abierto hasta el amanecer   Dos hermanos delincuentes huyen de EE.UU. con el botín de un atraco. Llevan como rehenes a un predicador en plena crisis de fe y a sus dos hijos. Ya en México entran en un prostíbulo, que resulta ser la guarida de unos vampiros. Robert Rodríguez dirige y edita; Quentin Tarantino firma el guión e interpreta. Uno aporta su fuerza visual y su sentido del ritmo; el otro, su capacidad de concebir situaciones y diálogos. Con un estilo mezcla de cómic y novela barata, el film acoge diversos géneros, aderezados con el humor salvaje y la violencia paródica que se han convertido en marcas de fábrica de Tarantino. La película puede parecer intrascendente, pero resulta entretenida con salpicones de gore, terror y sexo.             ESCALETA  SAV  18  NOVIEMBRE 2025     VINILO – ALCATRAZ, LIVE SENTENCE 1984                  NO PAROLE FROM ROCK AND ROLL Hiroshima mon amour    3:51 Night games                      3:01 Insland in the sun             3:47   ADVENTUS – DE MI CUERPO Y OTRAS MISERIAS 2025 Ser yo                                                      4:11 Muerte en espiral                                 5:20 De mi corazón y otras miserias           4:24   DEF LEPPARD, LIVE AT THE LEADMILL 2024 Action                          4:04 Switch                          5:03 Let it go                        6:08   CD – MARILLION, THIEVING MAGPIE 1988 LA GAZZA LADRA Jigsaw                                6:24 Punch and judy                3:23 Sugar mice                        6:03   BSO – FROM DUSK TILL DAWN  1996 ABIERTO HASTA EL AMANECER   Steve ray vaughan, mary had a Little lamb. After dark , Tito y Tarantula.   60:07 minutos de tiempo aproximado

Edgar Rey es un artista de 26 años que vive en Valdemoro, una localidad del Sur de Madrid. Edgar comenzó a tocar la guitarra con 10 años, gracias a sus padres que le apoyaron siempre en su recorrido musical. No fue hasta los 14 años cuando se lanzó a cantar sobre sus propios ritmos. Con 16 años, aprovechando el portátil que utilizaba para estudiar, decide comenzar a grabar sus propios temas. Es en ese momento cuando descubre su pasión por la producción musical y el mundo del sonido, por ello decide enfocar sus estudios en esta dirección. En su trayectoria musical Edgar lanzó un álbum muy experimental, varios singles como “Escapar de la ciudad”, “Ahora yo” o “La Cuenta”. Actualmente se encuentra terminando un álbum EP de 7 canciones en el que lleva trabajando 2 años. Su proyecto mas completo y profesional hasta la fecha. Experiencia homenaje víctimas COVID-19 El día 29 de Julio de 2019 Edgar fue invitado a formar parte de un proyecto muy bonito. Se trataba de crear una canción en homenaje a todas las victimas de COVID-19 para posteriormente interpretarla en directo en Valdemoro. Para ello se reunió con el músico, productor y compositor Pablo Ortega y juntos compusieron "Vuestra luz nunca se apagará", recibiendo como título el nombre del evento. El reconocido compositor y productor David Santisteban  prestó sus servicios en los arreglos y la mezcla final del tema. El día del homenaje las velas iluminaban cada calle del centro de Valdemoro, creando un ambiente melancólico y acogedor. Fue una experiencia muy emotiva y digna de recordar tanto como para los espectadores como para Edgar,  que pudo aprender de grandes profesionales como lo son David Santisteban y Pablo Ortega. https://www.youtube.com/watch?v=uGLaTvBs7lc [1] Lanzamiento del EP "Pero todo va bien" Tras el parón mundial por la cuarentena debido a la pandemia, Edgar aprovechó todo ese tiempo para reencontrarse musicalmente y fue en ese momento donde nació su primer single oficial "Cuarentena en el sofá", totalmente autoproducido desde el mismo ordenador donde se conectaba para asistir a clase online. Después de varios singles Edgar comenzó a pensar en el proyecto de auto producir su primer álbum EP. Y así nació "Pero todo va bien" un pequeño álbum de cuatro canciones con estilos, ritmos y temáticas muy variadas. Entre sus temas podemos encontrar: "Dejándome atrás", una canción con una fuerte carga emocional que habla de la separación de una muy arraigada amistad. "Respirar", un tema muy personal e íntimo que habla de la ansiedad causada por la situación de pandemia estos últimos años. "Racismo y opresión" una dura canción que critica la cultura del racismo. "Roto" un temazo del estilo rock/pop indie que habla de una gran sensación de vacío interior.   Single adelanto de su próximo disco https://www.youtube.com/watch?v=UANKmmq2A44 [2] "Teloneros de Medina Azahara en las Fiestas de Aluche Edgar Rey y su banda alcanzan nuevas alturas musicales  al actuar como teloneros del renombrado grupo Medina Azahara en el escenario principal de las Fiestas de Aluche. Con una presentación enérgica y un talento indiscutible, Edgar dejó una impresión imborrable en las 20.000 personas que asistieron al evento. Concierto en directo de Edgar Rey en los Intimos del Juan Prado - 20 de enero de 2024: https://www.youtube.com/watch?v=YkjJzUoVnT4 [3] Contacto: TELÉFONO:  691 22 40 13 CORREO ELECTRÓNICO: edgarrey.oficial@gmail.com [4] Redes Sociales: @edgarreymusic   [1] https://www.youtube.com/watch?v=uGLaTvBs7lc [2] https://www.youtube.com/watch?v=UANKmmq2A44 [3] https://www.youtube.com/watch?v=YkjJzUoVnT4 [4] https://www.agorasolradio.orgmailto:edgarrey.oficial@gmail.com

Lo vi en el cine, esos cines tan importantes y necesarios, ya se que no es lo mismo pero es que me pillaba un poco lejos, dicho esto elegí la primera noche, porque caía en sábado. La disposición del escenario en el medio del lugar permitió a los de San Francisco llenar todos los asientos, con aproximadamente 100.000 fans el pasado 18 de agosto en  ARLINGTON , TEXAS  y 19 en ESPAÑA en la pantalla grande, en nuestros cines. La banda, formada hace más de 40 años, ha vuelto a demostrar que aún pueden aportar la intensidad y cautivar a audiencias masivas en 2023. Sus canciones y su sonido han generado legiones de seguidores leales que acudieron con todas sus fuerzas al AT&T Stadium. No hace falta aclarar que, obviamente, no era en directo debido a la diferencia horaria existente entre Texas y Madrid. Bandas: Metallica + Pantera + Mammoth WVH, en el cine solo pudimos ver  el concierto de METALLICA. Lugar: AT&T Stadium (Arlington)     SET LIST DEL CONCIERTO The Ecstasy of Gold (Ennio Morricone)   1 Creeping Death, ( RIDE THE LIGHTNING ). 2 Harvester of Sorrow, ( AND JUSTICE FOR ALL ). 3 Leper Messiah, ( MASTER OF PUPPETS ). 4 King Nothing, ( LOAD ). 5 Lux Æterna, ( 72 SEASONS ). 6 Too Far Gone?, ( 72 SEASONS ). 7 Welcome Home (Sanitarium), ( MASTER OF PUPPETS ). 8 Shadows Follow, ( 72 SEASONS ). 9 Orion, ( MASTER OF PUPPETS ). 10 Nothing Else Matters, ( BLACK ). 11 Sad but True, ( BLACK ). 12 The Day That Never Comes,( DEATH MAGNETIC ). 13 Hardwired,( HARDWIRED...TO SELF-DESTRUCT ). 14 Fuel,(RELOAD) 15 Seek & Destroy,( KILL ´EM ALL ) 16 Master of Puppets, (MASTER OF PUPPETS).    

Desde el sonido revival de una Sharon Jones hasta las composiciones arriesgadas de Erykah Badu, el soul se escribe en plural y femenino. La música tiene alma, y mucha. Un alma femenina, desafiante, desgarradora y camaleónica. Y es que el soul actual, desde que los diferentes ritmos de la música negra comenzaran a contagiarse, se alimenta de las sinergias de estilos afines como el jazz, el funk o el hip hop. Las fronteras se diluyen mientras que emerge un variado universo de personalidades. Hoy en día la rica amalgama de artistas influidas por el soul puede hacer las delicias tanto de nostálgicos corazones como de almas rebeldes. La fuerza creativa de tan dispares mujeres compone un mosaico en el que una se pierde con delectación. Herederas de iconos de la música negra como Aretha Franklin, Gladys Knight o Minnie Ripperton, detrás de una aparente docilidad melódica, el soul de estas musas contemporáneas y su arrollador potencial expresivo puede ser como una auténtica arma de sedición.   AUDIO                   jackie Brown Sharon jones       the game gets old Sharon jones, 100 days 100 nights Erykah badu         window seat Naomi Shelton     what have you dones Erykah badu, on on Naomi Shelton     sinner Spanky Wilson      waiting for you touch spanky Wilson, I am thankful Angie stone          brotha Angie stone , wish I dint miss you Jill scott                you don´t know Jill scott , Shame Hollie smith         Helena AUDIO                  The commitments        

A mediados de los años 60 se estableció una doble vía de censura. La primera la ejercía la Dirección General de Radiodifusión y Televisión del Ministerio de Información y Turismo, calificando los discos como radiables o no radiables. Con la expresiva denominación de Textos gramofónicos calificados como “no radiables” se prohibieron para su emisión pública desde el 16 de septiembre de 1960 hasta el 9 de octubre de 1977, de forma oficial y a través de los correspondientes listados, 4.343 canciones. De ellas, cerca de 500 canciones fueron amnistiadas a partir de 1966, tras su correspondiente ‘reconsideración’. Los censores dejaron por escrito las razones de sus decisiones. La segunda vertiente de la censura en el rock se llevó a cabo en la Dirección General de Cultura Popular y Espectáculos del mismo Ministerio, empleándose a fondo en supervisar los textos de las canciones y las carpetas de los discos. A partir de 1970, cuatro censores-lectores que por las mañanas censuraban libros se dedicaron, bajo contrato, a hacer lo propio por las tardes con los discos para tener unos ingresos extra, dejando por escrito sus curiosas anotaciones sobre sus razones para censurar una canción.   Audio                                             Mandela The rolling stones                       Sister morphine The rolling stones                       Bitch Black Sabbath                             Sabra Cadabra Black Sabbath                             A national acrobat Steppenwolf                               Ride with me Bod Dylan                                   All along the watchtower Bod Dylan                                   The ballad of Frankie Patti smith                                  Ask the angels Patti smith                                  Radio Ethiopia Paul McCartney                         The mess Roxy  music                                Prairie rose Simon and Garfunkel               Bridge are troubled water The beach boys                         Good vibrations Audio                                          Will hunting      

Durante el siglo XX, los Estados Unidos de América tomaron el relevo de Europa como epicentro de la producción cultural en occidente. Quizá su literatura o su filosofía no hayan llegado a eclipsar el descomunal legado europeo, cuyo peso específico acumulado sigue siendo muy superior, pero la cinematografía, la televisión y sobre todo la música americana se han convertido en un nuevo paradigma artístico cuya influencia se extiende literalmente a todo el planeta. La música norteamericana —un laberíntico compendio de influencias europeas y africanas— han propiciado la aparición de varios géneros que han revolucionado el concepto mismo de la música como arte. Uno de los aspectos más interesantes es el muy diferente papel que han jugado un buen número de ciudades en el nacimiento, desarrollo y explosión de estos géneros y corrientes. Como ya sabemos, no existe una música americana como tal, sino muchas.   AUDIO                                    Manhattan                                                                                                      3:32 JAMES BROWN                     sex machine                                                                                               5:08 TXT 1 / PRESENTACION      ELLA & LOUIS    autum in new york                                           5:59 VELVET UNDREGROUND    run, run, run                                                                                         4:19 RAMONES                             do you remember R´n´R radio                                                            3:53 TXT 2                                      LIVING COLOUR    type                                                                          6:26 THE BYRDS                             chesmit mare                                                                                           5:09 RED HOT CHILLI PEPPERS    californication                                                                                5:31 TXT 3                                      THE DOORS   light my fire                                                                    7:08 GUNS AND ROSES                out ta get me                                                                                         4:23 THE RANSEY LEWIS TRIO     the in crand                                                                                     5:48 TXT 4                                       HOWLIN´ WOLF  wang dang doodle                                          4:31 WILLIE NELSON                     they all went to mexico                                                                  4:42 TXT 5 / DESPEDIDA               DON McLEAN  Vincent                                                              5:14 C.PERKINS / J.L.LEWIS / J.CASH / E.PRESLEY  (3-4-5)                             4:03 / 2:39 / 3:33 AUDIO                                     gans of new york                                                                                   2:09    

The Black Crowes arrasaron Madrid. No venían desde 1999 y tardaron dos años en poder celebrar el concierto tras su anuncio, pero lo bueno se hace esperar. Y, así, pasadas unas horas y el concierto de los teloneros, DeWolff, dieron las nueve y los Black Crowes salieron al escenario. La banda ofreció lo que todos esperábamos: un repertorio basado en el legendario álbum y una puesta en escena bastante original el decorado imitaba un bar. Alguien camina hacia un jukebox iluminado en el centro de la escena introduce una moneda y empieza a sonar el shake you money maker de ELMORE JAMES todos alucinando y suena los primeros acordes de “TWICE AS HARD“a cargo de los cuervos negros se hizo la magia. Magia que no pararía hasta casi dos horas después.   Setlist Twice as Hard Jealous Again Sister Luck Could I've Been So Blind Seeing Things Hard to Handle Thick n' Thin She Talks to Angels Struttin' Blues Stare It Cold No Speak No Slave Papa Was a Rollin' Stone Wiser Time Thorn in My Pride Sting Me Remedy         Rocks Off  (THE ROLLING STONES)  

ÑU, no hay ningún loco 1986 Después cuatro discos en estudio, y tras romper su contrato con Chapa, Jose carlos molina decidió meterse en la sala Canciller de Madrid dos noches con un montón de músicos amigos a recoger las que, hasta entonces, consideró sus mejores canciones. Lo curioso es que casi todos los invitados habían tocado en algún momento en los discos de estudio o las giras de la banda e interpretan las mismas partes que en su día grabaran. Entre esos músicos encontramos a nombres tan conocidos como Jero Ramiro o Eduardo Pinilla a las guitarras, Chiqui Mariscal al bajo, Miguel Ángel Collado a las teclas o Enrique Ballesteros a la batería. La mayoría de los cortes pertenecen a sus discos por entonces más recientes. Fuego (1983),  Acorralado por ti (1984), pero sorpresa, presenta cuatro nuevos temas algo poco habitual en los discos en directo. Producido por Mariano García, estrenando su discográfica Barrabás, se grabo con la unidad móvil de los Estudios Kirios. Dedicado a la madre de Jose Carlos Molina por escucharle y a la guardia civil que le estaría buscando. Un disco imprescindible.   Una inmensa marea de seguidores de ÑU, abarrotamos el viernes 24 de octubre, la Sala Shoko, dispuestos a escuchar el mitico disco FUEGO de la banda madrileña ÑU,el tercero de su discografía que vio la luz hace la friolera de cuarenta y dos años, allá por 1983, sin duda el álbum más Heavy de su discografía grabado en su momento con escasos medios, pero lleno de temazos, de calidad y con unos musicazos que son leyenda. José Carlos Molina (voz, flauta, teclados), Jerónimo Ramiro (guitarras), Miguel Ángel Collado (piano, órgano, sintetizadores), Ignacio "Chiqui" Mariscal (bajo) y Bob Thackway (batería).     MAGO DE OZ, malicia 2025 Mägo de Oz vuelven con su nuevo disco Malicia, un álbum que ahonda en la mística de las brujas, siempre presente en el logo del grupo. Con más de treinta años de carrera, el grupo explora en este trabajo la historia de una estirpe de hechiceras, ofreciendo en cada tema una producción "más moderna y europea" sin perder el ADN épico y festivo que los catapultó a la fama. Cuentan los Mago de oz sobre lo que les atrae del  concepto de la bruja que es un poco primero la incultura de la humanidad y la opresión de las religiones de muchísimas llamadas brujas, que no tenían pactos con el diablo, solo eran mujeres sabias que utilizaban elementos de la tierra, plantas, para hacer medicina alternativa. Mägo de Oz siempre han mezclado distintos géneros. La música celta, evidentemente, es el factor determinante y el que les distingue de otras bandas de metal. Siempre han mezclado muchos tipos de sonido, pero desde su creación la banda hacía lo que le daba la gana. Lo mismo hacía un tema muy de rock duro como hacía un tema muy de pop. O un tema muy bailable. Siempre les gusto la diversidad.     SKYCLAD, prince of the proverty line 2017 Skyclad es una de esas bandas que, son ignoradas por solo por la etiqueta de folk. El elemento folk en Skyclad proviene de letras narrativas y una sutil reverencia por la crudeza del folk rock británico que inspiró su sonido. Sí, puede que se ponían unas pintas como entusiastas de las ferias renacentistas, pero los riffs y la agresividad estaban presentes. Este álbum marca el punto en el que se alejarían de su sonido más thrash y se acercarían a un estilo más ecléctico. Sin embargo, no por ello el disco deja de ser furioso por la transición. El lirismo mordaz de el cantante Walkyier sigue siendo fundamental, y las guitarras conservan un crujido satisfactorio que quedaría relegado a un segundo plano más adelante en la carrera de la banda. En definitiva, creo que Skyclad tiene mejores álbumes (sus dos primeros por ejemplo son esenciales), pero este prince of the proverty line es quizás el más definitivo. Es lo suficientemente folklórico para satisfacer a los seguidores de la banda. Al folk metal es difícil de acercarse pero este álbum te ayuda a enterdelo.     THIN LIZZY, jailbreak 1976 Después de que sus dos álbumes anteriores, Nightlife y Fighting , no generaran ventas, Thin Lizzy recibió una última oportunidad por parte de su sello, Vertigo Records . La banda escribió canciones y recopiló ideas en un estudio en Buckinghamshire a finales de 1975, y luego se reunieron en Ramport Studios en Londres en el nuevo año. Seleccionaron a John Alcock como su productor, ya que había trabajado mucho en el estudio. La banda trabajó diligentemente durante febrero en el álbum. Sin embargo, los guitarristas Scott Gorham y Brian Robertson sintieron que la velocidad con la que se completó afectó negativamente su calidad del disco.  Sin embargo Jailbreak fue un "álbum verdaderamente excepcional", con "una riqueza que perdura, pero con tanta energía que en la banda sigue sonando inmediato sin importar cuántas veces se reproduzca". Destacando las canciones de Lynott como "de una virgueria inusual... repletas de detalles. Es el último álbum de la banda donde la mezcla supera los, mecanismos lingüísticos lo que hizo que los lanzamientos posteriores fueran mucho mejores.     JETHRO TULL BURSTING OUT LIVE 1978 Es fácil olvidarlo ahora, a medida que el gusto popular evolucionó, pero en los 70 Jethro Tull fue uno de los conciertos más importantes del planeta, ofreciendo toda la naturalidad y elegancia que cabría esperar de esta banda. En esta gira del 78 contaron con la formación musical más talentosa de su historia. El álbum que promocionan aquí es Heavy Horses del 78, y a pesar de ser la entrada intermedia de su trilogía eco-folk, este disco en vivo es un trabajo muy potente. La batería de Barriemore Barlow esta algo baja, lo que le resta algo de potencia a los procedimientos, pero las guitarras de Martin Barre tienen un nivel alto e incluso salvaje en ocasiones. Mientras tanto, el dúo de teclas formado por John Evans y Dee Palmer da cuerpo a las canciones con soltura, y John Glasscock muestra un enfoque dificil y hábil al bajo. Pero por supuesto, está Ian anderson y su personaje, su voz es tan buena como lo fue en el disco, pero sus habilidades vocales nunca fueron la estrella de Jethro Tull; fue la música y su giro lírico lo que atrajo. Sus interpretaciones de flauta aquí son en su mayoría excelentes, y esa capacidad de improvisar.      

Barón al rojo vivo es el primer álbum en directo de Barón Rojo que ​se publicó el 1984 como doble disco y fue producido por Chris Tsangarides músico, productor e ingeniero de sonido británico conocido mundialmente por haber sido productor de varios grupos de  heavy metal y hard rock como Anvil, Judas Priest, Yngwie Malmsteen y Thin Lizzy , lo hizo para la discográfica CHAPA DISCO. El disco fue grabado en el Pabellón de la Ciudad Deportiva del Real Madrid, en febrero de 1984, en dos conciertos consecutivos en los que también se grabó el material que posteriormente sería editado bajo el título Siempre estáis allí. Esta fue una de las primeras producciones de su tipo para una banda de Rock en España. inicialmente se barajo la posibilidad de que se grabara en el Budokan de Japón, pero por disposiciones de la compañía de discos no se logró llevar a cabo.​Se incluyeron cinco nuevas composiciones. La instrumental "Buenos Aires", además de cuatro canciones cada una compuesta por un miembro del grupo: "Mensajeros de la destrucción", "Atacó el hombre blanco", "Campo de Concentración" y "El mundo puede ser diferente". Armando de Castro: Guitarra solista y rítmica, voz. Carlos de Castro: Guitarra solista y rítmica, voz. José Luis Campuzano: Bajo, coros, voz. Hermes Calabria: Batería.     Darkness on the Edge of Town es el cuarto álbum de estudio del cantautor americano Bruce Springsteen , en 1978 por Columbia Records . El disco se grabó tras una serie de disputas legales entre Springsteen y su exmánager Mike Appel , durante las sesiones en Nueva York con la E Street Band, entre junio de 1977 y marzo de 1978. Springsteen y Jon Landau fueron los productores, con la asistencia de su compañero de banda Steven Van Zandt .Para las letras y la música del álbum, Springsteen se inspiró en fuentes tan diversas como las novelas de John Steinbeck , las películas de John Ford , el punk rock y la música country . Musicalmente, el álbum tiene un sonido hard rock más crudo que destaca sobre todo a la banda en su conjunto. Las letras de Darkness se centran en personajes desafortunados que luchan contra los problemas y las desgracias. Tras su lanzamiento, la crítica elogió la música y las interpretaciones del álbum, pero mostró opiniones divididas sobre el contenido lírico. En décadas posteriores, Darkness ha sido aclamado como uno de los mejores trabajos de Springsteen y uno que anticipó discos que llegaron después.     Highway 61 Revisited , Bob Dylan después de comenzar su carrera tocando música folk y de grabar en acústico utilizó por primera vez una banda de acompañamiento en todas las canciones de Highway 61 Revisited, grabadas en Nueva York entre junio y agosto de 1965. El álbum, cuyo título hace referencia a la autopista que conecta su lugar de nacimiento, Duluth con ciudades sureñas famosas por su patrimonio musical como San Luis, Memphis y Nueva Orleans y también al autor portugués Fernando Pessoa y su poema Lisbon Revisited, que estuvo encabezado por el sencillo «Like a Rolling Stone» e incluyó canciones frecuentemente interpretadas en directo en sucesivos años como «Highway 61 Revisited», «Just Like Tom Thumb's Blues» y «Ballad of a Thin Man».La prensa musical destacó la innovación de Dylan a la hora de combinar la música blues con la sutileza de la poesía para crear canciones que capturaron la situación sociopolítica de los Estados Unidos en la década de 1960. En este contexto, el autor Michael Gray argumentó que, en un sentido importante, los años 60 «empezaron con este álbum».  Highway 61, en español Autopista 61, también llamada Blues Highway,​ se extendía desde Duluth, lugar de nacimiento de Dylan, y discurría a través de St. Paul hasta el delta del Misisipi.​ En el camino, la ruta pasaba cerca de los lugares y hogares de nacimiento de músicos influyentes como Muddy Waters, Son House, Elvis Presley y Charley Patton. La «emperatriz del blues», Bessie Smith, murió después de sufrir graves heridas en un accidente de coche en la ruta, mientras que Martin Luther King, Jr. fue asesinado en la terraza de un motel cercano a la autopista. El crítico Mark Polizzotti señaló que la leyenda del blues Robert Johnson vendió su alma al diablo en el cruce de las rutas 61 y 49. La autopista ha sido también objeto de varias grabaciones de blues, principalmente «Highway 61 Blues» (1932) de Roosevelt Sykes y «61 Highway» (1964) de Mississippi Fred McDowell.Según Robert Shelton: «Muchas personas importantes en la cultura americana cruzaron esa autopista y ese río. Y en su juventud, Dylan cruzó esa carretera. La autopista 61 es, creo, un símbolo de libertad, un símbolo de movimiento, de independencia y una oportunidad para largarse de una vida que no quería en Minnesota».     Los suaves , Tercer disco en directo de Los Suaves tras “Suave es la Noche” (1989) y “Diez Años de Rock” (1992). El disco está dedicado a la memoria de Rory Gallagher. Es curioso el caso de este disco del que se editaron tres versiones: un triple CD, un doble CD -eliminando el tercer CD que se grabó en un concierto especial en los estudios Kirios con temas que no formaban parte del repertorio habitual- y una edición sencilla en un solo disco. La razón la encontramos en que EDIGAL denuncia a Polygram y los propios Suaves por entender que poseía los derechos de todas las canciones hasta el “Maldita Sea mi Suerte” (1991) y exige la retirada del disco de las tiendas y el pago de una indemnización. El fallo fue favorable a EDIGAL y condenaba a la Polygram y a los propios Suaves a pagar una indemnización por todos los discos vendidos del directo hasta la fecha del fallo, además de obligar a la compañía a retirar el disco de las tiendas, y destruir las copias no vendidas. Polygram acata el fallo editando “Lo Mejor de… ¿Hay Alguien Ahí?” (Polygram, 1996), disco sencillo en el que se incluyen sólo cortes de la etapa Polygram de Los Suaves. En esta ocasión, Los Suaves nos han regalado un directo con sonido impecable, que refleja la tendencia sonora sobre todo desde que pasaron a los brazos de una multinacional. El anterior sonido guitarrero ha evolucionado hacia otro más consistente, fuertemente adornado por Alberto Cereijo, una de las mejores guitarras de este país aunque en el fondo siguen siendo sucesiones de cuatro mágicos. Por esto, las antiguas canciones se adaptan sin problema a los nuevos tiempos y la verdad es que algunas salen favorecidas.     HISTORIAS DEL KRONEN 1995   Historias del Kronen es una película española de 1995, dirigida por Montxo Armendáriz y basada en la novela homónima del escritor José Ángel Mañas. La película se rodó íntegramente en Madrid. Carlos es un joven de una familia de clase media-alta de Madrid. Estudiante de 21 años, su única preocupación es disfrutar de la fiesta con sus amigos, transgredir las normas y provocar. En el Kronen, una cervecería madrileña, se reúne con su pandilla como punto de inicio para las noches de desfase que protagonizan. Durante el día vive su vida sin emoción de joven mundano, mal estudiante y con una familia tradicional y anodina. De noche, Carlos acude a buscar aquello de lo que carece durante el día, iniciándose un verano que no acabará igual de bien que empezó.  Banda sonora El tema No hay sitio para ti de la banda M. C. D. fue el tema principal de la banda sonora en el que además participaron Reincidentes, The Lox, Tribu X, Santa Fe, Inquilino comunista, Terrorvision, Hamlet y Australian Blonde.                        SAV    14   OCTUBRE   2025   VINILO – BARON ROJO, baron al rojo vivo  (84 en directo) Baron rojo Incomunicación Campo de concentración BRUCE SPRINGSTEEN, darkness on the edge of town (78 estudio) Badlands Adam raised a can The promise land BOB DYLAN, highway 61 revisited (65 estudio) Like a rolling Stone Tomstone blues Highway 61 revisited LOS SUAVES, hay alguien ahí (95 directo) Hendrix Dame rock and roll Dulce castigo CD – BSO HISTORIAS DEL KRONEN (95) M.C.D., no hay sitio para ti REINCIDENTES, jartos d´aguantar

Eagles Live es el primer álbum en vivo de la banda americana Eagles, doble LP lanzado 1980. Aunque los Eagles ya estaban en proceso de separación, la banda le debía a Elektra / Asylum Records un álbum más y cumplió esa obligación contractual con un lanzamiento de actuaciones de las giras de Hotel California y The Long Run. Eagles Live fue mezclado por Glenn Frey y Don Henley en costas opuestas, en Los Ángeles y Miami, respectivamente, y, según cuenta el productor, la armonía y los arreglos instrumentales del disco fueron cortesía de Federal Express .Se  calificó como "quizás el álbum en vivo con más sobre grabaciones de la historia", aunque hay que reconocer que el resultado fue bueno. Cinco de las pistas se grabaron en octubre de 1976, durante tres presentaciones en The Forum en Inglewood, California. Las otras diez pistas se grabaron en julio de 1980, de tres espectáculos en el Auditorio Cívico de Santa Mónica y uno en el Long Beach Arena en California. La banda tuvo diferentes formaciones en 1976 y 1980. Se incluyen canciones de cada álbum de estudio de Eagles excepto uno llamado ( On ​​the Border ).Eagles estuvo inmersa durante años en conflictos internos, la banda llegó a un punto crítico en julio de 1980, cuando la gira The Long Run concluyó con un concierto en Long Beach, California. La versión de " All Night Long " para Eagles Live se grabó en este concierto, que se destacó por una disputa entre los compañeros Frey y Don Felder que culminó en el backstage, donde casi llegan a las manos. Frey se negó entonces a hablar con los demás miembros de la banda, y mucho menos a unirse a ellos para grabar las sobre grabaciones para Eagles Live ; por lo tanto, la grabación se hizo poco a poco. Frey estaba en Los Ángeles mientras el resto de la banda estaba en Miami, con Henley supervisando las sesiones de posproducción. Las cintas se enviaron entre ambas ubicaciones hasta que se completó el álbum. La portada del álbum muestra la imagen de un cofre para guardar el equipo de una banda durante una gira de conciertos. Incluye el número 86 Eighty-six,(es una jerga del inglés americano que generalmente significa "deshacerse" de alguien o de algo),en ambos lados de la portada.     Burning, uno de los grupos que mejor representan el espíritu del rock’n’roll de nuestra era, nuestros Rolling Stones, este directo es el testimonio de su respeto , sus influencias absorven por igual a Chuck Berry y a Lou Reed con total soltura. Burning llevan en activo desde mediados de los setenta, empezaron entre grupos del llamado rock urbano, atravesaron los 80 respetados por la movida, para en los 90 subsistir en un auténtico ejercicio de supervivencia a pesar del éxito de este doble directo, siempre pasando de tendencias y sin perder ni un ápice de su personalidad.Lo suyo fue coger el Rock’n’Roll menos cortado y filtrarlo a su manera con ese acento socarrón de la calle. Canciones que convirtieron en mitología todo lo que acontecía en el extrarradio de la capital, un mundo desconocido donde podía saborearse el peligro ya fuera con forma de mujer fatal o en manos de un macarra con una navaja, sus canciones hablan de la noche y de la resaca, de la amistad y de la supervivencia al límite, con un bestiario particular repleto de antiheroes al límite que queman a todo gas la existencia, Jim Dinamita, Ginebra Seca, Johnny el Seco, también cantaban a la nostalgia del amor no correspondido y a sus recuerdos del pelo largo como pocos, y convirtieron el Baby en Nena haciendo del rock’n’roll cantado en castellano digno baluarte de lo autentico.     At the Royal Albert Hall es un álbum en vivo de 2022 grabado en 1970 con la banda americana Creedence Clearwater Revival . La actuación se lanzó como álbum para coincidir con el documental Travelin' Band: Creedence Clearwater Revival at the Royal Albert Hall , dirigido por Bob Smeaton . Las grabaciones documentan la primera gira europea de la banda y presentan material nunca publicado; el álbum incluye el set completo grabado el 14 de abril de 1970. Un álbum en vivo anterior, The Concert , lanzado en 1980, inicialmente se tituló erróneamente The Royal Albert Hall Concert , pero en realidad documentó un espectáculo completamente diferente de CCR en Oakland, California , tres meses antes de su gira por el Reino Unido. Publico y medios elogian tanto el álbum como el documental por capturar a la banda en su máximo esplendor, destacando las contribuciones individuales de cada miembro a la banda, así como la "experiencia auditiva impecable" gracias al personal técnico que preparó las grabaciones, destacando las interpretaciones animadas, "ejecutadas impecablemente y llenas de energía". Reconocimiento internacional les llega cuando llevaban a cabo un calendario de conciertos para capitalizar su álbum debut, el grupo trabajó en su segundo álbum, Bayou Country en los RCA Studios de Los Ángeles. Publicado en enero de 1969.Las siete canciones de Bayou Country representaban la lista de temas que conformaban sus conciertos. Críticos señalaron que el álbum tenía un sonido más simple y directo en comparación con el primer álbum del grupo. El sencillo Proud Mary, se convirtió en una de las canciones más versionadas del grupo, con más de 100 grabaciones entre las que se incluye el éxito de 1971 de Ike y Tina Turner. Bob Dylan llegó a nombrar a «Proud Mary» como su sencillo favorito de 1969.         Blackfoot  una banda de rock sureño originaria de Jacksonville (Florida).La banda se formó en 1970. Tomó su nombre de una tribu americana: Los Pies negros (Blackfoot), de la cual descendía Rickey Medlocke. En sus años de máxima popularidad fueron considerados una banda de hard rock, pese a su imagen de roqueros sureños, siguiendo el estilo y sonido de bandas como Molly Hatchet y Lynyrd Skynyrd. Lanzaron algunos exitosos álbumes en los setenta y comienzos de los ochenta (incluyendo a Strikes (1979), Tomcattin' (1980) y Marauder (1981). Sus sencillos más reconocidos fueron «Train, Train» y «Highway Song».La banda original se separó en 1985. En el 2004 se dio una reunión de Blackfoot con algunos miembros originales de la formación como Jakson Spires, Greg T. Walker y Charlie Hargrett. Medlocke no pudo participar, por lo que el vocalista tuvo que ser Bobby Barth. En marzo de 2005, Spires murió repentinamente, pero la banda decidió continuar. La Hora de las Flores de King Biscuit fue un programa especial de radio semanal sindicado (La sindicación en radiodifusión es un modelo de distribución de programas que implica la venta de los derechos de emisión de un programa radio o programa de televisión a múltiples emisoras de televisión y radio), como digo un programa muy popular, que se emitió de 1973 a 1993 y que incluía actuaciones en directo de grandes artistas del rock como Bruce Springsteen, los Rolling Stones y Pink Floyd. Grabado con unidades móviles y transmitido en cintas de carrete, el nombre del programa era una ingeniosa combinación del influyente programa de radio de blues King Biscuit Time y la frase hippie "flower power". Tras su emisión original, el programa continuó con reemisiones hasta 2007, y muchos de los conciertos grabados se han publicado desde entonces como álbumes oficiales. El programa se estrenó el 18 de febrero de 1973 en más de 300 emisoras de radio, llenando el vacío existente en la radio para la transmisión de conciertos en vivo.     One for the Road es un álbum y vídeo en directo de 1980 de The Kinks . Fue publicado el 4 de junio de 1980 . La mayoría de las grabaciones datan de una parte de la gira estadounidense de 1979-1980 para promocionar el álbum "Low Budget" de la banda ; de ahí la inclusión de seis canciones de ese LP. Estas canciones se complementaron con una selección de éxitos que se remontan a la formación de la banda en 1964. El EP de 4 pistas titulado The Kinks Live EP con las canciones " David Watts ", " Where Have All The Good Times Gone ", " Attitude " y " Victoria " fue lanzado junto con el álbum.La canción " 20th Century Man " fue omitida del CD original, pero se reincorporó en ediciones posteriores. En su reseña del álbum para Smash Hits en 1980 , David Hepworth afirmó que el disco era «un argumento tan convincente para prohibir los álbumes en vivo como se pueda encontrar». « One for the Road es un documento fascinante de pioneros que allanaron el camino para el heavy metal y el punk , pero que nunca sintieron que una gloriosa canción pop estuviera fuera de su alcance». Todos los temas fueron compuestos por Ray Davies .     ESCALETA   SAV   16   SEPTIEMBRE   2025   VINILO – EAGLES, LIVE 1980 All night long Life in the fast lane Take it easy   BURNING, EN DIRECTO 1991 No pares de gritar Mueve tus caderas Johnny b. good    C.C.R., AT THE ROYAL ALBERT HALL 1970/2022 Midnight special Born on the bayou Tombstone shadow   CD – BLACKFOOT, LIVE ON THE KING BISCUIT FLOWER HOUR 1983 Teenage idol Train, train Easy living   THE KINKS, ONE FOR THE ROAD 1980 Intro Lola   60:19   time           

  Seconds Out  fue el segundo álbum oficial en vivo de Genesis, después de Genesis Live  (1973), que incluía su formación clásica con Peter Gabriel como vocalista. Este primer lanzamiento en vivo fue muy aclamado por la crítica, y la ya de por sí magnífica pero corta lista de canciones se vio enriquecida con una impresionante versión de  «The Knife»  con el maestro Phil Collins a la batería (quien se unió a Genesis solo después de su segundo álbum,  Trespass ).El álbum doble  Seconds Out , lanzado cuatro años después en 1977, es una buena mezcla de lo viejo y lo nuevo (en ese momento), y suena poderoso y enérgico. Es Genesis capturado en su mejor momento. El sonido producido por la banda aquí fue explosivo. Su segundo período como cuarteto, compuesto por los miembros el baterista Phil Collins, el bajista Mike Rutherford, el teclista Tony Banks y el guitarrista Steve Hackett, quien se unió a la banda para el álbum  Nursery Cryme  (1971). En estos álbumes, Genesis aún continuó con su sonido clásico, mientras que más tarde Collins tomaría el volante y los dirigiría en una dirección de pop rock.La popularidad de Genesis estaba en auge en 1977. Tocaban en estadios más grandes, las ventas de sus álbumes subían y la banda tocaba a un nivel muy alto. Este fue el comienzo de la ahora conocida trayectoria de Collins entre el banquillo de la batería y el escenario principal... Por lo tanto, se trajeron dos bateristas invitados para reemplazar a Collins mientras él estaba al frente (uno de ellos era el ex - baterista de Yes  y  King Crimson  , Bill Bruford, y Chester Thompson, quien se convirtió en su baterista oficial de gira).     Parasomnia es el decimosexto álbum de estudio de la banda estadounidense de metal progresivo Dream Theater , lanzado el 7 de febrero de 2025. Es el primer álbum de estudio de la banda que presenta al baterista original Mike Portnoy desde Black Clouds & Silver Linings (2009), casi dieciséis años antes; también es el primer álbum con Portnoy que no lo presenta como coproductor desde Falling into Infinity (1997). Parasomnia es un álbum conceptual temático sobre parasomnias , que abarca una amplia gama de experiencias y comportamientos inusuales e indeseables que las personas experimentan mientras duermen , también conocidos como trastornos disruptivos del sueño: "Night Terror" describe la experiencia de los terrores nocturnos titulares , "A Broken Man" trata sobre el estrés psicológico que afecta el sueño con TEPT , "Dead Asleep" se basa en un incidente de la vida real en el que un galés llamado Brian Thomas en 2009 supuestamente asesinó a su esposa mientras caminaba dormido,y "The Shadow Man Incident" es una historia sobre un niño que experimenta parálisis del sueño y presencia una persona sombra ."Midnight Messiah", escrita por Mike Portnoy, hace referencia lírica a otras canciones de Dream Theater que escribió, incluidas "Strange Deja Vu" y "Home" de Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory y "Constant Motion" de Systematic Chaos .El álbum está enmarcado por los sonidos de una persona que se va a dormir y finalmente vuelve a despertar. Parasomnia ha recibido críticas mayoritariamente positivas. «Dream Theater ha vuelto —aunque, en realidad, nunca se irá a ningún lado— y la magia que inspiró sus primeros clásicos atemporales está plasmada en este triunfo absoluto de regreso grabado».     El álbum debut de Fat Morgan es un disco muy elogiado, inspirado en el rock clásico, que destaca por su auténtica energía grupal, melodías blueseras y riffs pegadizos. Canciones como "Girl With A Gun" y "Moonlight Heights" presentan potentes solos de guitarra y una atmósfera psicodélica. La crítica destaca la capacidad de la banda para capturar el espíritu del rock de los 70 a través de una sólida interpretación de conjunto y una composición intuitiva que enfatiza la energía grupal.El álbum es un claro homenaje a la era del rock de los 70, con melodías blueseras clásicas y riffs pegadizos.El método de composición de la banda es colaborativo e intuitivo, y sus miembros se nutren de la energía de los demás para crear una pieza musical cohesiva. Los solos de guitarra son una característica recurrente y destacada a lo largo del álbum, lo que contribuye a su sonido enérgico y cautivador.Las últimas canciones del álbum se describen como una experiencia que lleva al oyente a un "viaje oscuro y psicodélico" a través de una mezcla de guitarras acústicas y eléctricas, órgano y solos psicodélicos. El álbum debut de Fat Morgan es una pieza muy valorada de auténtico rock inspirado en los años 70, elogiado por su talento musical y la captura de energía orgánica creada por el grupo dentro de sus pistas.     En 1968, Cream alcanza el éxito absoluto gracias a su segundo álbum «Disraelí Gears». Con este disco legendario, el power trio británico origina un cambio radical en la orientación musical del momento hacia la música de vanguardia.Grabado en diciembre de 1967, se convierte en uno de los pilares básicos del rock psicodélico, un género que llega a su máxima popularidad ese mismo año. Disraeli Gears obtuvo tanto reconocimiento, que fue declarado disco del año en innumerables países del mundo y por un amplio sector de críticos musicales, lo que desembocó en una de las giras más apoteósicas que recuerdan los Estados Unidos de América. Durante esta tremenda y abarrotada gira, nace “Wheels Of Fire”, que se publica por primera vez en Agosto de 1968 como doble álbum, uno denominado “In The Studio” y el otro “Live At The Fillmore”. Los responsables de esta obra fueron tres gigantes de la escena musical: Eric Clapton (guitarra y voz), Jack Bruce (bajo, armónica y voz principal) y el batería Ginger Baker. La producción del LP corre a cargo de Felix Pappalardi, personaje clave dentro de Cream y más adelante bajista de Mountain. Pappalardi, venía de colaborar con Cream desde Disraelí Gears, implicándose en las composiciones y aportando su gran calidad como multi-instrumentista. Incluso en ocasiones le consideran como <<el cuarto integrante de la banda>> pero solo participaba en discos de estudio. Wheels Of Fire también cuenta con los arreglos de Robert Stigwood, mánager de los Cream y gran empresario discográfico, ayudado por el ingeniero de sonido Tod Down. Una de las partes del álbum en estudio, se graba durante los meses de Julio y Agosto de 1967 en los IBC Studios de Londres. La otra parte, tuvo lugar en los meses de Septiembre y Octubre de 1967 y entre Enero, Febrero y Junio de 1968, en los Atlantic Studios de Nueva York. En cuanto el vinilo comienza a rodar, ya nos advierte de su grandeza. La segunda parte del Long Play, llamada “Live At Fillmore West” (aunque en el álbum tres pistas están localizadas en el auditorio Winterland de San Francisco), se capta en directo en Marzo del 68 y contiene cuatro temas de auténtico éxtasis. Abren con el “Crossroads” de Robert Johnson, en el que Eric Clapton nos deja un riff de guitarra para la posteridad.           ESCALETA    SAV    9   SEPTIEMBRE   2025   VINILO – GENESIS  seconds out   76/77   Squonk The carpet crawlers Bobbery, assault and battery   DREAM THEATER  parasomnia  2025   In the arms of morpheuss Midnight messiah Bend the clock    FAT MORGAN   (1º)  2025   Fat Morgan Girl with a gun Sister of the sea   CD- CREAM  wheels of fire  1968   White room Sitting on top of the world Passing the time        

ERIC CLAPTON JUST ONE NIGHT 1980 LIVE Grabado en vivo en dos fechas dentro de la gira del año 79 correspondiente a su álbum “Backless” en el impresionante teatro Budokan de Tokio, es uno de los mejores discos de Eric Clapton como aportación al mundo del blues y, personalmente pienso que forma parte de la historia de la música. Lo primero que me gustaría destacar es la efectividad de los  cuatro músicos además de Eric clapton ; alejado de la espectacularidad de las bandas más numerosas y dejando claro el altísimo nivel de los cinco que giraron por aquel entonces. El disco entero suena a Blues, sincero, a crudo, a caliente, a profesional, pero sobretodo suena a Eric Clapton. La banda la formaron Henry Spinetti a la batería, Dave Markee al bajo, Chris Stainton a las teclas y como guitarrista (y teclista ocasional) el grandísimo Albert Lee. El álbum doble está producido a medias por Slowhand y Jon Astley  productor  de The Who y George Harrison como sus clientes más destacables y hace un reconocimiento cuanto a sonido a la banda que hace sonar los temas. Las guitarras que oímos en el disco son la Telecaster de Lee y la entrañable “Blackie” de Clapton (una Strato negra del 57).     FITO Y FITIPALDIS    RUEDA DE PRENSA    23 OCTUBRE 2025   El músico ha presentado su nuevo trabajo, ‘El monte de los aullidos’, en una rueda de prensa en WARNER MUSIC y una actuación exclusiva ante más de ochocientas personas en LA SALA MOVISTAR ARENA. Para Fito Cabrales, cantar siempre ha sido sinónimo de aullido. Cuando lo hace, se piensa en un espacio inventado, un lugar seguro donde escribir una canción. Este lugar imaginado al que el bilbaíno recurre da título al nuevo trabajo de Fito y Fitipaldis, El monte de los aullidos, el octavo álbum de estudio con el que la banda vuelve a los escenarios. Acompañado de su amigo, productor y guitarrista, Carlos Raya, Cabrales presentó su nuevo disco. Defiende que, aunque siempre tuvo referentes como Leño o Rosendo, nunca le interesó ser la copia de nadie. La realidad es que Fito y Fitipaldis han agotado ya las entradas de muchas de las paradas de Aullidos Tour, la gira que comenzará el próximo 21 de noviembre en Santander con la que la banda llevará su característico sonido Fitipaldi a los grandes recintos de la geografía española. En algunas de las canciones del disco, como A contraluz, el o saxo de Javi Alzola juega un papel protagonista. En otras, el rock and roll sirve de telón de fondo.     BONNIE RAITT  ROAD TESTED  1995 LIVE   El maravilloso dominio vocal de Bonnie Raitt es el pegamento que une la extensa Road Tested. Extraído de una gira reciente, este álbum doble recorre los 20 años de trayectoria de Raitt, desde su folk blues de cafetería hasta convertirse en cabeza de cartel en un anfiteatro. El álbum en vivo Road Tested de Bonnie Raitt se grabó en el Teatro Paramount de Oakland, California, y también en el Auditorio Schnitzer de Portland, Oregón en julio de 1995. El proyecto fue una grabación de doble álbum y película de concierto. Rescata una versión de "Burning Down the House" de Talking Heads con su acento pícaro y sensual. Y su cuidadoso fraseo sigue inspirándose en "Angel From Montgomery" de John Prine, un clásico de los conciertos desde hace mucho tiempo. El set cambia al final al salir emparejada con varias celebridades. Si bien la inclusión de los veteranos del R&B Ruth Brown y Charles Brown es un buen gesto. Como muchos sets en vivo, Road Tested fue una maravilla para ver desde las primeras filas menos mal que se grabo como película para poder disfrutarlo luego desde casa.     LEÑO DIRECTO AÑO 83   Vivo '83 es el título del segundo álbum en directo del grupo Leño grabado el 6 de septiembre de 1983 y publicado el 21 de junio de 2006 por el sello Sony BMG. Incluye un DVD Documental compuesto por varios clips de conciertos en directo del año 1983 pertenecientes a una grabación realizada y editada por Félix García, además de algunas entrevistas. La crítica de "Vivo '83" de Leño es abrumadoramente positiva, describiendo el álbum como un registro de la banda en su apogeo, con una calidad de sonido muy buena que captura la energía de sus conciertos en vivo. Los oyentes lo consideran una pieza "necesaria" y "un discazo" que incluye sus grandes éxitos, ofreciendo un buen sonido que representa el mejor directo de Leño, según comentarios de los allí presentes. Se destaca la calidad de audio, tanto en el CD original como en las versiones remasterizadas, que suenan "genial" y con un "sonido potente".El disco captura a Leño en su mejor momento, un trío que transmitía mucha energía en directo, fundamental para los seguidores de la banda y para entender la historia del rock español.                                 ESCALETA  SAV 28 OCTUBRE 2025   VINILO – ERIC CLAPTON   just one night  1980 live Tulsa time Early in the mornig Lay down sally   FITO Y LOS FITIPALDIS  el monte de los aullidos 2025 El monte de los aullidos Una maldita suerte Rueda de prensa de la presentación del disco el monte de los aullidos en THE MUSIC STATION, WARNER MUSIC.  6:30 A contraluz Como un ataúd     BONNIE RAITT  road tested 1995  live Thing called love Three time loser Love sneaking´up on you     CD – LEÑO  vivo 83  2006 disco en directo / DVD Entre las cejas Sorprendente Si señor, si señor     FITO Y LOS FITIPALDIS  el monte de los aullidos 2025 Ardi  tema del final del disco instrumental.   RUEDA DE PRENSA DE FITO Y LOS FITIPALDIS INTEGRA EN EL ENLACE. https://archive.org/download/rueda-de-prensa-de-fito-en-wea-23-de-octubre-2025-bruto/RUEDA%20DE%20PRENSA%20DE%20FITO%20EN%20WEA%2023%20DE%20OCTUBRE%202025%20bruto.mp3 [1]   [1] https://archive.org/download/rueda-de-prensa-de-fito-en-wea-23-de-octubre-2025-bruto/RUEDA%20DE%20PRENSA%20DE%20FITO%20EN%20WEA%2023%20DE%20OCTUBRE%202025%20bruto.mp3

El último concierto de David Bowie como Ziggy Stardust   El tres de julio de 1973, David Bowie se despidió de Ziggy Stardust con un concierto el en auditorio Hammersmith Odeon, Londres, en donde su alter ego se presentó por última vez ante cinco mil personas. Aquella presentación quedó registrada en una película y, a modo de conmemoración por los 50 años del show, ha sido restaurada en 4K y ha vuelto a ser proyectada en algunos cines del mundo.   Ziggy Stardust and the Spiders from Mars: The Motion Film (1979) fue dirigida por D.A. Pennebaker y tuvo una duración de 90 minutos, pero la nueva versión añadirá 12 minutos de material inédito sin cortes y contará con un audio 5.1 mezclado por Tony Visconti. Allí se incluirán las escenas de Jeff Beck en la guitarra que fueron eliminadas tanto de la cinta como del soundtrack oficial, contando su destacada interpretación de ‘The Jean Genie’. También se mostrarán momentos de Bowie y sus músicos en el backstage, así como la aparición especial de Ringo Starr. La premiere se realizo en el ahora llamado Hammersmith Apollo y la proyección fue  antecedida por charlas con colaboradores y colegas de Bowie, quienes “hablaron sobre el legado de Ziggy y el concierto”. El largometraje llego a más de mil salas de cine en diferentes países.Ziggy Stardust and the Spiders from Mars: The Motion Film registra el momento en el que Bowie decidió decirle adiós al rockstar alienígena que “aterrizó” en la Tierra en los 70, tomando por sorpresa a sus fans. Era una ocasión única, así que Beck fue invitado para tocar tres canciones con The Spiders from Mars, pero al no tener conocimiento de que el concierto sería grabado, pidió ser excluido del metraje final.El rodaje del documental presentó varias fallas técnicas a causa de la falta de luz y de personal, como consecuencia, el resultado no fue lo que esperaban y terminó por estrenarse seis años más tarde.     'Freddie Mercury: The Final Act': las revelaciones del último documental del líder de Queen Se han cumplido 34 años desde que Freddie Mercury, el famoso líder de Queen, falleció a causa de una bronconeumonía complicada por el sida que le fue diagnosticado en 1987. Ahora, más de tres décadas después de su fallecimiento, los homenajes al cantante están a la orden del día y siguen descubriéndose cosas sobre sus últimos días con vida.Para honrar su memoria, la BBC lanzo en el 2021 Freddie Mercury: The Final Act, un documental que revela cómo el líder de Queen ocultó al mundo su diagnóstico mortal y cuenta todos los detalles sobre los últimos días que precedieron a la muerte del mítico artista inglés.     El documental cuenta con algunos testimonios de las personas más cercanas al cantante en los días previos a su fallecimiento. Entre ellos, se encuentran algunos como sus compañeros de banda, Brian May y Roger Taylor, y también la esposa de Brian, Anita Dobson, y la hermana de Freddie, Kashmira Bulsara. El filme parte del año 1986, cuando Queen se encontraba en uno de los mejores momentos de su carrera. A partir de ese momento, aún sin saberlo, la trama empieza a hablar de la epidemia del sida a finales de los años 80, del desconocimiento y de la necesidad de Freddie Mercury de ocultar su diagnóstico hasta a sus propios compañeros. La muerte de Freddie Mercury supuso un verdadero shock para el mundo entero, pues el cantante tenía solo 47 años y era un auténtico ídolo a nivel mundial. Sin embargo, el pensamiento de la época en torno a la enfermedad que mató al cantante y la homofobia generalizada en la sociedad hizo que muchos medios lo tacharan de "pervertido del peor tipo"."En ese momento, pensamos: 'No vamos a permitir que Freddie sea percibido en la historia como una víctima o como alguien que se lanzó frente a un tren'", dice May. "Creímos que debíamos sacar todo a la luz: Freddie no es la única persona vilipendiada antes y después de su muerte por los que pensaban que el sida era algún tipo de venganza contra los homosexuales".Así, la banda decidió organizar The Freddie Mercury Tribute Concert, con la intención de dejar atrás todos estos estigmas sobre el sida y así concienciar sobre la importancia de acabar con esta enfermedad tan dura para aquellos que la sufrían. [caption id="attachment_24724" align="alignnone" width="730"] Freddie Mercury of Queen, 1982 Tour at the Various Locations in Oakland, California (Photo by Steve Jennings/WireImage)[/caption]   En este concierto, celebrado en Wembley en abril de 1992, participaron artistas como Elton John, David Bowie, Annie Lennox, The Who o George Michael. El documental de la BBC ahora también muestra algunos de los detalles que se pudieron ver entre bastidores en este emotivo concierto, como la tristeza de George Michael en ese momento, el conmovedor discurso de Elizabeth Taylor o la actuación de Liza Minnelli, que cantó We Are The Champions para poner fin al concierto.     SAV    DAVID BOWIE / FREDDIE MERCURY-QUEEN        6  MAYO  2025     DAVID BOWIE-ziggy stardust and the spiders from mars /live 1979  soundtrack   Hang on to yourself Changes Ziggy stardust Space oddity   DAVID BOWIE-the rise and fall of ziggy stardust and the spiders from mars / estudio 1972   Starman Lady stardust Star Rock and roll suicide     QUEEN-live killers 1979   God save the queen Bohemian rhapsody Tie your mother down Sheer heart attack   QUEEN-innuendo 1991   Innuendo The show must go on The hitman Headlong   FREDDIE MERCURY the final act ( el show final ) 2021      

Delicate Sound of Thunder es un álbum doble en directo de la banda británica Pink Floyd, el primero lanzado en la época en la cual el guitarrista David Gilmour lideraba la banda. Este disco es el correspondiente a la gira de A Momentary Lapse of Reason. Fue lanzado en 1988 como doble LP, doble casete, y doble CD. Existe también una filmación de dicha gira también titulada Delicate Sound of Thunder lanzada en VHS y Laserdisc. Grabado en vivo magistralmente por Buford Jones, no fue en absoluto retocado en estudio. Considerado por muchos ingenieros uno de los mejores trabajos grabado en vivo hasta la fecha. Utilizó más de 130 canales de mezcla, efectos estéreos y cuadrafónicos en vivo con excepción del concierto de Venecia (enteramente en estéreo). Nota: En las Versiones del DVD, VHS y Laserdisc fueron agregadas las canciones On the Run y The Great Gig in the Sky del álbum The Dark Side of the Moon y One Slip del álbum A Momentary Lapse of Reason sustituyendo a Another Brick in the Wall del álbum The Wall que fue quitada de los DVD, VHS y Laserdisc.Publicación     22 de noviembre de 1988 Grabación 19–23 de agosto de 1988, Nassau Coliseum, Long Island, Nueva York, Estados Unidos     Smash Hits es un álbum recopilatorio de Jimi Hendrix Experience . Track Records lo publicó por primera vez el 12 de abril de 1968 en el Reino Unido e incluía los cuatro sencillos del grupo (caras A y B) publicados hasta entonces, además de cuatro canciones adicionales de la edición británica de Are You Experienced .Reprise Records no publicó el álbum en Estados Unidos hasta el 30 de julio de 1969, con algunos temas diferentes. Incluía dos canciones de Electric Ladyland y tres temas de la edición británica de Are You Experienced , inéditos en Estados Unidos (incluida una versión estéreo de « Red House » de una toma diferente a la del álbum mono original).Smash Hits ha sido reeditado varias veces en CD; sin embargo, ha sido reemplazado en gran medida por compilaciones más recientes y completas, como Experience Hendrix: The Best of Jimi Hendrix (1997).Ni la edición británica ni la estadounidense de Smash Hits contienen ninguna canción de Axis: Bold as Love .Smash Hits contiene las canciones más conocidas. Quizás no lo suficiente como para que la colección sea esencial, pero sí lo suficiente como para convertirla en un buen recopilatorio si no conoces a hendrix y porque no también si lo conoces.     Pearl es el segundo y último álbum de estudio de la cantante estadounidense de rock Janis Joplin como solista. Fue lanzado de forma póstuma por Columbia el 11 de enero de 1971, apenas tres meses después del fallecimiento de Joplin, recopilando así las últimas grabaciones de la cantante. Fue el único álbum grabado junto con la Full Tilt Boogie Band. El álbum es considerado el mejor de la cantante como solista.Como homenaje, se dejó el tema «Mercedes Benz» a capela, ya que fue la última canción que Janis grabó; también se incluyó la canción «Buried Alive in the Blues» sólo con música, sin la voz de Janis. La portada del álbum es una fotografía a Janis hecha por Barry Feinstein en Los Ángeles, donde se la muestra reclinada en un sofá de dos espacios de la era victoriana y con una copa en la mano.Una reedición de Pearl remasterizada para CD fue lanzada el 31 de agosto de 1999. Ésta incluía como bonus tracks cuatro grabaciones inéditas en vivo en el Festival Express Tour, grabadas el 4 de julio de 1970. Un disco doble Legacy Edition apareció el 14 de junio de 2005, con temas extra incluyendo un mensaje de cumpleaños de John Lennon de Happy Trails, y una reunión de la Full Tilt Boogie Band en un homenaje instrumental a Joplin. El segundo disco incluye amplia sesión del Festival Express Tour, registrado entre el 28 de junio y 4 de julio de 1970. El álbum fue reeditado por tercera vez en disco en el año 2012 como The Pearl Sessions.       Sad Wings of Destiny es el segundo álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 1976 por Gull Records y su último trabajo con este sello independiente. Tras su lanzamiento recibió reseñas positivas de la crítica especializada. Posteriormente sería calificado como el disco que redefinió el heavy metal y como uno de los más influyentes del género desde el álbum debut de Black Sabbath.La gran mayoría de sus canciones habían sido interpretadas en directo previamente, en 1975, como parte de la gira promocional de Rocka Rolla. Algunas de ellas incluso habían sido compuestas durante la grabación de su disco debut, pero no se incluyeron en él por decisión del productor Rodger Bain.A finales de 1976 y tras los buenos resultados del disco, el grupo firmó un contrato con CBS Records, hecho que implicó su renuncia al sello Gull. La discográfica se adueñó tanto de los derechos de este álbum como de los de Rocka Rolla. En septiembre de 2024 volverían a tener los derechos de los primeros dos discos, pudiendo entonces lanzar una versión remasterizada por 50 años de Rocka Rolla y la versión original de Sad Wings of Destiny en plataformas de streaming.  El álbum tuvo poco éxito comercial al principio y fue difícil que lograra notoriedad debido al auge del punk rock por esos años.​ Para promocionarlo, trece días antes de su lanzamiento se puso a la venta su único sencillo, «The Ripper», que contó con diferentes canciones como lado B según la edición.​ El 6 de abril de 1976 en la ciudad inglesa de Truro se inició su respectiva gira promocional, que culminó el 27 de mayo del mismo año en Londres.       Live After Death es un álbum doble en vivo de la banda británica de heavy metal Iron Maiden, lanzado el 14 de octubre de 1985.Durante el transcurso de la gira World Slavery Tour fue grabado el álbum en una serie de conciertos, presentados en Hammersmith Odeon, Londres y en Long Beach, California, Estados Unidos, Live After Death es el primer álbum en directo de Iron Maiden, tras el álbum Maiden Japan en formato EP. La portada del disco creada por Derek Riggs, como muchas otras de la banda, aparece Eddie la mascota del Grupo, surgiendo de su tumba en la cual la lápida cuenta una cita de Howard Phillips Lovecraft, escritor de cuentos de terror con estilo y forma de metaficción. El álbum comienza con el discurso que el primer ministro Winston Churchill pronunció como aliento al pueblo británico, ante la inminencia del bombardeo a Londres por parte del ejército Alemán nazi durante la Segunda Guerra Mundial; una introducción para el tema "Aces High".Así mismo, Bruce Dickinson utilizó el verso A Hymn​ de Gilbert K. Chesterton como apertura del tema "Revelations" basado del libro de Aleister Crowley.         ESCALETA    SAV      2 SEPTIEMBRE 2025   VINILO   PINK FLOYD   delicate sound of thunder One of these days Time   CD  JIMI HENDRIX   smash hits Stone free That stars that play with laughing sam´s dice Manic depression   CD   JANIS JOPLIN  pearl Trust me Get it while you can Tell mama   CD   JUDAS PRIEST  sad wings of destiny Genodice Epitaph Island of domination   VINILO   IRON MAIDEN  live after death Wrathchild 22 acacia avenue      

Josevi García Herrero empieza su carrera cinematográfica en 1991, trabajando simultáneamente en sus primeros cortometrajes como director y guionista, y a la vez como locutor en radio. Tras cursar Imagen y Sonido, se especializa en dirección y guión cinematográfico y televisivo. Hace su primera incursión profesional de ficción en Antena 3 TV en 1996 ("Los ladrones van a la oficina) y desde ahí hasta la fecha participa en cientos de cortometrajes, numerosas series de TV regional y nacional, obras de teatro y largometrajes nacionales e internacionales y programas, siempre en dirección, producción y/o guión. Fue preseleccionado en los Goya 2006 por el cortometraje "Ojos de soñador", protagonizado por Emilio Gutiérrez Caba, y ha obtenido numerosos premios y reconocimientos nacionales e internacionales en festivales de gran prestigio por trabajos como "Toc Toc El Cortometraje", "¡Se Vende Varita Mágica!", "En Defensa Propia", "Contando Estrellas" o más recientemente con "Distintos", que ha recibido 45 premios y más de 100 nominaciones y selecciones nacionales e internacionales, y la selección a los Premios Forqué y a los Premios Goya 2019, así como la preselección para los Óscar de Hollywood 2020. En la actualidad compagina la dirección, la escritura de guiones y la producción para teatro, cine y televisión, con varios proyectos de series, cortometrajes y su primer largometraje de ficción. Director y creador del universo Rodando Experience.    

En 1981, con la creación del canal MTV, comenzó una época gloriosa para el formato videoclip, el cual era un medio de difusión artística que había dado sus primeros pasos en las dos décadas anteriores, pero que ampliaría su poder y alcance en las décadas de los 80’ y 90’ con este canal como abanderado de su difusión. Si bien MTV estaba orientado al público joven y a los formatos mayormente apoyados de la industria, su variedad en contenidos -luego de un comienzo muy limitado en cuanto a opciones (solo 160 videoclips en 1981)-, permitió incluir en su programación tendencias hasta de las corrientes indie y de metal extremo, al menos como pequeños fragmentos semanales en su transmisión ininterrumpida.     Esta diversificación llevó a crear un concepto que marcaría la década de los 90’, el “MTV Unplugged”. Si bien esta serie se trataba de una marca con obvios fines comerciales, esta producción amplió las propuestas para un puñado de artistas de poder mostrarse en otra faceta para el gran público, generando mayor interés en éste en lo que fue sin dudas la última gran época que conoció un canal actualmente venido a menos. El programa lo hago con la idea de recordar algunos de los muchos y variados shows “Unplugged”, sin ningún orden. No trata de ser un “lo mejor de”, sino que intento rememorar cinco discos que fueron buenos exponentes de este formato, cada cual con su impronta sonora. Quiero recordar que no todos los “MTV Unplugged” se reflejaron en discos oficiales, por lo que no todos están presentes en muchas listas y en documentaciones que aparecen en la red. Son una pequeña parte de los que se grabaron por lo tanto no están todos lo que son, pero son los que están hoy.             TRACKLIST   KORN      - creep                                     2007 en los Estudios MTV [1] en Times Square [2], Nueva York [3] - hollow life   NIRVANA   - where did you sleep las night     Sony music studios Nueva york niviembre 1993 - about a girl - come as you are   STONE TEMPLE PILOTS      - creep                             11 / 07 / 1993  Nueva york - crakerman - wicked gardenN   ALICE IN CHAINS     - heaven beside you            Majestic theatre ,broklyn  1996 nueva york - would ? - sludge factory   PEARL JAM    - black                 Nueva york 16/09/1992 - state of love and trust - alive           [1] https://es.wikipedia.org/wiki/MTV [2] https://es.wikipedia.org/wiki/Times_Square [3] https://es.wikipedia.org/wiki/Nueva_York

Vayas por la calle que vayas, además de turistas con la Alhambra capturada en sus móviles, te toparás con una guitarra. Da igual si es en la plaza de la Universidad, en el Mirador de San Cristóbal o en la cuesta hacia el Albaicín. La ciudad donde, aseguran, hay unas 400 bandas en activo y que parió a Los Ángeles, Miguel Ríos, 091, Enrique Morente, Lagartija Nick, Los Planetas, Lori Meyers o Niños Mutantes. ¿Qué es lo que pasa en Granada?. La teoría más repetida, por esotérica, es aquella que formuló Antonio Arias. El cantante de Lagartija Nick defiende las bondades creativas del agua de Sierra Nevada en el documental En Granada es posible (2015), sobre la escena musical de la ciudad y que puede verse en Filmin: [1] "El oro que baja por el río, los metales, crean una ionización distinta en la ciudad que hace que el cuerpo pese menos y da como más sentimiento a la creación, al arte, a la abstracción...".   ESCALETA   THE CLASH, spanish bomb ENRIQUE MORENTE, vuelta de paseo.   LAGARTIJA NICK estratosfera visiones de cody conmigo crece el caos HORA ZULU toma y obliga que me muera luego querran   091 sigue dios estando de nuestro lado la vida que mala es la calle del viento ESKORZO pan y circo mala sangre el tio bullanguero ENRIQUE MORENTE, pequeño vals vienes.   [1] https://www.filmin.es/pelicula/en-granada-es-posible-concierto?origin=searcher&origin-type=secondary